Kitobni o'qish: «Антология стрит-арта», sahifa 3

Распространение

От поездов к стенам

С ростом сложности создаваемых изображений, сложностей рисования, возникающих из-за новых мер безопасности, а также возросшие амбиции художников, привели к тому, что некоторые из них обратились к «разрешенному рисованию», к муралам. Подобный вид творчества происходит в комфорте и покое, хотя, несомненно, эти произведения не оказывают такого же благостного влияния на среду и ее обитателей. Для художников стало неодолимым стремление использовать любые стены, даже без официального разрешения. Оказалось, что стену мастеру стрит-арта невозможно навязать. Она должна была быть выбрана им самим, хотя и с учетом городского пейзажа и контекста. Легальность работы так и не стала решающим фактором. Осознание того, что в лучшем случае от произведения останется лишь фотография, сыграло решающую роль и только усилило стремления художников рискнуть.

В начале 1980‑х годов начала расти известность LEE и группы FABULOUS FIVE, причем не только потому, что они продолжили традиции предшественников, но и потому, что они строго придерживались негласного кодекса old school, старой школы.

С точки зрения стиля в этот период как раз и возникли основные принципы граффити. Кодекс был сформулирован окончательно, он диктовал как технические методы, так и определенные правила поведения.

ЛИ КИНЬОНЕС перед одной из его монументальных фресок © Lee Quinones

Во время войны стилей в период между 1970–1980 годами MTA потратила около 150 миллионов долларов на очистку вагонов от граффити и установку систем безопасности в вагонных депо. В 1978 году движение испытало серьезный удар из-за внедрения новой моечной установки Buff, выбрасывавшей струю жидкости под высоким давлением. Всего за несколько недель с большим или меньшим успехом были очищены сотни вагонов, и эта массированная мойка стала для творцов еще одним аргументом в пользу стен. В 1978 году LEE, или ËÈ ÊÈÍÜÎÍÅÑ, провел множество ночей у подножия Бруклинского моста, превращая его в художественную галерею под открытым небом. Сознавая впечатление, которое производило его монументальное творение, он говорил: «Я стремился создать произведение без привязки к традиционной истории искусства, ведь и я продолжал делать то же, что и на поездах».

Хотя LEE отрицает наличие у него каких‑либо предшественников, многие представители первого поколения граффитистов признают, что использовали богатую культурную среду Нью-Йорка, отбросив предрассудки художников, отрицавших необходимость художественного образования. CRASH вспоминает, что в детстве был потрясен работами Пикассо, выставлявшимися в МоМА в 1970, 1973 и 1980 годах². «Я ходил в основном в два музея – МоМА (музей модернизма) и Whitney (музей современного искусства). Ребенком я обожал Пикассо и кубизм. Залы, наполненные искусством модернизма, произвели на меня неизгладимое впечатление. Музей Whitney открыл мне глаза на современное искусство. А поход в зал, где выставлялся мобиль Колдера³, всегда наполнял меня радостью».

Граффити и хип-хоп

Граффити считаются одним из четырех столпов хип-хопа, культурного и художественного течения, зародившегося в Нью-Йорке, в Южном Бронксе, в начале 1970‑х годов. Оно очень быстро получило теоретическую базу, и в нем было выделено четыре основных компонента:

1 – рэп (или MCing, рэпер, произносящий вслух или нараспев рифмованные тексты песен) как словесный образ;

2 – диджеинг (DJing) как музыкальный образ;

3 – брейк-данс (break dancing или b-boying) как образ искусства танца и сценического искусства;

4 – граффити как образ живописи и визуальных искусств.

FUTURA, Без названия, 135 × 310 см, 1981 год, концерт группы Clash, театр Могадор, Париж.

Художник впервые приехал во Францию в 1981 году с рок-группой The Clash, музыканты которой предложилиему сопровождать их во время турне. Коллекция Patrick Lerouge

Эти четыре способа творческого самовыражения захватили и весь остальной мир. Однако художники первой волны граффити, как и их художественные методы, все еще находились в периоде становления. Первые граффитисты пока не претендовали на хип-хоп. Легендарный SEEN вспоминал, что музыка, которую он слушал в те времена, скорее относилась к хард-року, возникшему в 1960‑х и десять лет спустя весьма популярному. «Мои товарищи из нашего района как раз изобретали рэп, он еще не был музыкой, которую бы передавали по радио», – говорит он. В 1981 году FUTURA принял участие в мировом турне Clash, панк-группы с мировой известностью, образовавшейся в 1976 году. Он выходил на сцену вместе с музыкантами и рисовал во время концерта.

Для других художников связь с зарождающимся рэпом стала решающей. PHASE 2 своим успехом во многом обязан, как мы уже упоминали, увлечению хип-хопом и диджеингом. Кроме того, что его считают отцом всех стилей, ему также отводится роль одного из основных исследователей связи между рэпом, брейк-дансом, диджеингом и граффити. PHASE 2 активно выступал на нью-йоркской сцене и выпустил несколько дисков.

NO CRACK ZONE, граффити в Нью-Йорке. Фотография Стефана Биссёя.

Источник: граффити в Нью-Йорке. Фотография Стефана Биссёя

Только в начале 1980‑х годов, около десяти лет спустя возникновения течения, граффити интегрируются с хип-хопом в полном смысле и обретают международную известность; об этом свидетельствует турне Африка Бамбаатаы⁴, пионера новых тенденций в американской музыке, изобретателя хип-хопа и культуры зулу.

Искусство шрифта

Стили, формы, сюжеты

Во времена взрывного распространения граффити на улицах Нью-Йорка в среде художников быстро выделились особо талантливые, и в первую очередь очень важный персонаж – PHASE 2. Его настоящее имя – Лонни Буа, он родился в 1958 году в Бронксе. В возрасте тринадцати лет он создал свои первые произведения граффити и почти сразу осознал, что просто написание собственного имени быстро ограничит его возможности. Действительно, имя из нескольких узнаваемых, но практически одинаковых букв, превратившись в основной сюжет творчества, грозили надоесть. PHASE 2 сохранил священную для граффити концепцию подписи, но начал упорно и непрерывно обновлять не само имя, а стиль рисунка. Он изобрел множество украшений и специальных граффити-орнаментов. Еще задолго до того, как эти новшества вошли в практику течения, работы PHASE 2 из простых тегов превратились в настоящие произведения искусства.

NO CRACK ZONE, граффити в Нью-Йорке. Фотография Стефана Биссёя.

Источник: граффити в Нью-Йорке. Фотография Стефана Биссёя

SEEN, измененная подпись с наклонными буквами в стиле flop, 1987 © Seen Studio

SEEN, буквы, нарисованные прямо на окнах вагона метро, 1970–1980 © Seen Studio

Буквы в стиле wild style (дикий стиль) наползают одни на другие, художник специально их деформировал. Ломаные линии украшены разными символами типа стрелок, подчеркивающих абстрактность намеренно техничного стиля.

SEEN, пример надписи в стиле wild style © Seen Studio

SEEN, уличная стена © Seen Studio

Журналист Джефф Чанг, специалист по хип-хоп-культуре, назвал их «определяющими истоки жанра». В течение этого первого периода в истории граффити PHASE 2 расписал тысячи поездов. Однако художественный дар мастеров граффити проявлялся не только в этой сфере. Например, SEEN с 1978 года писал картины на холстах, одновременно продолжая расписывать поезда. Ричард Мирандо, или SEEN, родившийся в 1961 году, прославился как Godfather of Graffiti (Крестный отец граффити). Начав рисовать в 1973 году, он добился признания публики и уважения собратьев за изобретение большого количества разных стилей письма, которые вдохновляли творчество нескольких поколений. Он начал рисовать аэрозолями очень рано, когда ему исполнилось всего девять лет, в дядином гараже, расположенном на задах депо 6‑й линии метро, и покрыл граффити свой первый поезд уже к одиннадцати годам. В 12 лет, в 1973 году, он официально закрепил за собой свою уникальную подпись. Он писал без отдыха, стараясь работать методом top to bottom (то есть стремясь покрыть вагон краской сверху донизу) и быстро достиг популярности благодаря своей ловкости и невероятным размерам произведений. Его часто называли «человеком, который изобрел современные граффити». Он гордится тем, что у него легко узнаваемый почерк, хотя стиль его постоянно меняется и совершенствуется. Он присягнул на верность течению граффити: «Граффити всегда были, есть и будут смыслом моей жизни!», но его творчество связано с самыми разными аспектами этого искусства. Для его работ характерны яркая палитра и разнообразие цветов, они отражают существовавшую в 1980‑е годы моду на контрастные оттенки и аккуратно покрытые красками большие поверхности. Художник с поразительной ловкостью пользовался аэрозольными баллончиками. В значительной части своих работ SEEN бесконечно обыгрывает четыре буквы своего псевдонима, делая это в самых разных стилях.

Играя с надписями, граффитисты быстро добавили к ним новые сюжеты, вдохновленные окружающей их средой, в частности комиксами и в то время вездесущим поп-артом.

LEE, родившийся в Понсе (Пуэрто-Рико) в 1960 году, вырос в Нью-Йорке. Он стал одним из самых популярных американских художников граффити, начав рисовать в 1971 году вместе с двоюродным братом – PHASE 2. Он стал известен благодаря тому, что первым превратил простую подпись из заглавных букв, характерную для его предшественников, в слитный единый рисунок. В 1975 году он впервые в истории жанра закрасил целиком весь поезд длиной 13 метров. LEE вдохновлялся обыденной жизнью и поп-культурой. Он часто соотносил свое творчество с музыкой, иногда непосредственно, иногда более тонко с помощью живописного ритма используемых тонов и гармонии. Цветовая гамма у LEE напоминает природную: земляная охра, небесно-голубой, но в целом его краски более нейтральны, чем у большинства товарищей. Его живопись существует на пересечении хип-хопа и панк-рока. Она часто таит в себе различные аллегории и послания. Он включал в свои работы разных персонажей и диких животных, хотя со временем и человеческие фигуры становились все более значимыми в его произведениях, сближая его манеру с традициями художников-монументалистов Южной Америки. LEE удалось передать невероятное богатство городской среды, особенно с хроматической точки зрения.

Дональд Джозеф Уайт, или DONDI WHITE, родился в 1961 году и стал представителем того же поколения художников. Заниматься граффити начал в 1975 году. Он вырос в Бруклине в смешанной итало-афроамериканской семье и очень рано начал создавать монументальные работы. Самым известным стали граффити 1978–1980 годов, названные Children of the Grave (Дети могилы), части 1, 2 и 3, включавшие и буквы, и разные цвета, и выразительных персонажей. В художественном порыве самоутверждения он нарушил общепринятый на тот момент закон анонимности и написал имя DONDI на крыше собственного дома. Со временем он усложнил буквы подписи и их заполнение, создав картину в картине. Увлеченный, одинокий, этот художник постоянно рисовал подготовительные этюды в альбоме, что свидетельствовало о его страсти к экспериментированию со шрифтами. Его буквы некоторые называли «акробатическими» или «аэродинамическими». В порыве вдохновения DONDI мог месяцами работать над подготовкой одной картины. Его символические персонажи, часто упрощенные до формы монохромных силуэтов, похожих на плотные тени или иконические знаки, отсылали к ранним работам художника STAY HIGH и его схематичной фигуре Святого. Стиль DONDI также отличался почти полным отсутствием контуров, в противовес классическим образцам граффити. Он не применял черный контур, использовавшийся другими художниками для создания эффекта «плавающих» букв. Что касается источников вдохновения – DONDI очень рано начал прибегать к религиозным образам, сформированным у него благодаря его католическому образованию, и к классической живописи, в частности Леонардо да Винчи. В целом, для его работ характерна борьба с обскурантизмом.

Поддерживаемый, как и многие другие, коллекционером Сэмом Эссесом, DONDI смог перейти работать в мастерскую, когда все его рисунки на поездах были смыты транспортной компанией MTA. Опыт оказался успешным и дал новое направление его художественному творчеству. Стиль, который он будет развивать на протяжении многих лет, отмечен в первую очередь новым отношением к цвету. На холстах он стал использовать приглушенные цвета, близкие к природным (бежевый, коричневый, охра, зеленый, голубой). Его картины оказались противоположностью яркой цветовой гамме граффити на поездах и стенах. Персонажи его произведений предстали как монохромные силуэты с максимально упрощенными контурами. Достигнув высочайшего уровня мастерства в работе с аэрозольным баллончиком, он полюбил использовать в своем творчестве разные спецэффекты: градиенты, размытость и т. д. Он накладывал друг на друга различные элементы и цвета, добиваясь необходимого уровня абстракции. Стиль DONDI, который умер в 1998 году от СПИДа, стал одним из основополагающих в граффити.

Вслед за ним все больше граффитистов начали включать в свои произведения автобиографические моменты и помещать в них более глубокие смыслы.

QUIK, родившийся в 1958 году в Бронксе, в своем творчестве тоже задавал волновавшие его личные и социальные вопросы – например, о месте черных меньшинств в американском обществе. Как и поп-арт, QUIK ставит под сомнение американскую мечту, но, по его мнению, поп-арт стал иконой нового общества потребления и якобы демократии, и поэтому граффитисты напрасно им увлекались.

DONDI, БЕз названия, 131 × 241 см, 1984. Частная коллекция. Фотография Стефана Биссёя

В борьбе за признание гражданских прав афроамериканских меньшинств QUIK стремился выразить противоречия общества, в котором жил. Будучи черным американцем, он включал эту мысль в свои полные контрастов произведения и заявлял: «Я не умею петь, я не умею играть на музыкальных инструментах, но я могу рисовать блюз». Даже в самых простых из его красочных работ, изображающих в основном буквы, QUIK задавал серьезные вопросы. Он не был политиком в прямом смысле этого слова, но его творчество выдает экзистенциальную тревогу, идущую, несомненно, из детства, которое прошло в условиях сегрегации. Центром его творчества стал чернокожий человек, и страдания, выпавшие на долю меньшинств. Он не стеснялся рисовать силуэты Гитлера или куклуксклановцев на поездах, чтобы придать больший вес своим высказываниям. Часто в его работах появлялся и американский флаг, как иллюстрация социальных проблем и намек на флаги в работах Джаспера Джонса⁵. А его манера обводить черным контуром женские фигуры намекает на особенности изображения женщин у Роя Лихтенштейна⁶.

Как и во многих произведениях граффити, простота работ QUIK обманчива. На первый взгляд они кажутся плодами навязчивого воображения художника, использующего простые попсовые образы с цветными лицами и отсылки к известным мультфильмам. Но при более пристальном и внимательном изучении мы обнаружим, что его персонажи борются за выживание, что он создает довольно едкие образы мира, где каждый пытается занять свое место любой ценой. Контрасты, которые могут показаться резкими, являются всего лишь отражением вездесущей рекламы и визуальных кодов, против которых борются эти художники. Это отчаянный крик, призыв. По словам QUIK, эта «живопись наполнена действием: агрессивная, полная энергии и политая потом».

Взрыв абстракции

Постоянно работая над стилем изображения, граффитисты оттачивали и свою технику. Несмотря на трудности использования аэрозольного баллона, он дает целую гамму возможностей, и в области рисунка, и в области спецэффектов. Интенсивность и размер красочной струи зависит от давления художника на наконечник баллона, и всякий мастер постепенно совершенствует свое искусство. И если первоначально буквы просто закрашивались, то теперь художники используют в изображениях сложные градиенты. Постепенно цвет вышел за границы контуров букв и начал покрывать фон – изображения стали тяготеть к абстракции. Работы больше напоминают творчество Поллока, чем ранние теги. Чтобы выделиться, художникам пришлось нарушать правила, ломать существующие границы. Грубо нарисованные облака постепенно превращались во все более утонченные и переливающиеся разными цветами.

«Изображение американского флага вызывает у меня образ американских граффити, или, как следовало бы сказать мне, амеррриккканского флага – ведь я черный. Все мои визуальные образы довольно циничны по своей сути. Это еще и способ плюнуть в рожу всем этим политикам и истеблишменту, потому что вся власть и так в их руках. Граффити – моя форма протеста, поэтому я и обращаюсь подобным образом со священным для кого-то флагом».

QUIK, Speedy Day / Быстрый день, холст, акрил, аэрозольная краска © QUIK

QUIK, Pulled up! / Равняйсь! Холст, акрил, аэрозольная краска © QUIK

QUIK, Home / Дом, холст, акрил, аэрозольная краска © QUIK

«Я часто использую изображения женщин в стиле американских иллюстраций 1950-х и 1960-х годов, и их мои зрители воспринимают как пин-ап. Однако один уважаемый голландский коллекционер во время конференции выдвинул следующую гипотезу: “Все эти женщины и есть Лин Фелтон (настоящее имя Quik’а)! Он их использует, чтобы спрятаться за ними и передать свои истинные эмоции и идеи!”» QUIK.

QUIK, Jamie, план метро, акрил, аэрозольные краски. 73 × 58 см © QUIK.

QUIK рисует на разных поверхностях: в данном случае – на схеме метро Нью-Йорка

FUTURA, cтена в галерее Магды Даниш, расписанная в стиле point man (уважаемый человек)

FUTURA стал одним из первых художников, сделавших граффити абстрактными. Его знаменитое whole car под названием Break, покрывавшее соответственно весь вагон нью-йоркского метро, было выполнено в 1980 году и ознаменовало резкое изменение стиля. Граффитист полностью отказался от букв, сохранив только характерные цветовые переходы, которые до него играли исключительно декоративную роль. Он родился в 1955 году и начал покорять нью-йоркское метро вместе с другими рисовальщиками тегов своего поколения в начале 1970‑х. Граффити изначально присущи скорость и движение, но FUTURA с самого начала художественной карьеры стремился наполнить свои творения энергией и благодаря этому быстро добился широкого признания. Его подход к этому виду искусства был совершенно самобытным. Используя стилистику футуристов (об этом говорит и его псевдоним), художник создавал абстрактную вселенную, где взрывные цвета соединялись с чистыми линиями. Контраст между хроматическими гаммами, эфирными образами и четкими линиями создал особый художественный код, который с трудом поддается расшифровке. Его живопись восхитительна. Использование аэрозольных красок позволило художнику отразить самые тонкие переходы между цветами. Постепенно FUTURA создал настоящий абстрактный язык, в котором каждый символ имел свое особое значение. Его произведения одновременно и легки, и мимолетны. Образы как будто парят в легкой дымке виртуозно нанесенной краски. В отличие от многих собратьев по цеху FUTURA разрабатывал и применял правило экономии средств, стремясь придать своим работам возвышенную воздушность.

RAMMELLZEE – один из выдающихся художников этого периода, работавший в абстрактной манере. Его стиль можно назвать одним из самых развитых. Художник родился в 1960 году в Нью-Йорке, в Квинсе, и уже в 1974 году начал расписывать поезда метро в своем районе. Он активно увлекался хип-хопом и даже записал диск Beat Bop, для которого его друг ЖАН-МИШЕЛЬ БАСКИЯ разработал обложку. Впоследствии этот диск стал источником вдохновения для многих рэперов от Beastie Boys до Cypress Hill. RAMMELLZEE завоевал восхищение своих сверстников тем, что умудрялся проникнуть в самые труднодоступные уголки метро. Его страсть к леттерингу быстро превратилась в углубленное исследование символов в разных культурах. Его стиль, называвшийся то «афрофутуризмом», то «готическим футуризмом», на самом деле прежде всего был его собственным.

RAMMELLZEE, Ikonoklast Panzerism – Letter S / Бронированный иконоборец – Буква S, 50 Ч 60 см, 1987.

Коллекция Хенка Пейненбурга

Созданный им язык символов был совсем не похож на буквы латинского алфавита, которые использовали его соратники. Его страсть к надписям оказалась столь велика, что превзошла стремление к славе других творцов. RAMMELLZEE провел немало времени в библиотеках, изучая древние манускрипты, в частности те, что создавались в монашеских скрипториях в X–XV веках. Эти рукописи стали для него истинными источниками вдохновения. Полагая, что латинский алфавит так и не был разработан до конца, он придумал Racers letters. В 1980 году, когда он вместе с DONDI выполнял граффити на вагонах поездов, RAMMELLZEE решил отказаться от нелегального рисования и перешел к работе на холстах. В визуальном искусстве, созданном этим художником, скрывается светлая сторона, а в образах, над которыми он работал долгое время, скрыта большая загадочность. Во всех его работах присутствуют глубокие размышления о смысле и порядке вещей.

FUTURA использует в своих граффити повторяющиеся символы, что делает его работы самобытными и узнаваемыми.

FUTURA, Bar code / Штрих-код, граффити на холсте. Частная коллекция

FUTURA, Пони, 120 × 240 см, 1982, холст, акрил, аэрозольные краски. Частная коллекция

Даже его псевдоним создавался как код, как математическое уравнение. К изначальному «RAM» он добавил «М», чтобы обозначить Магнитуду. К ним присоединяется «sigma» как знак суммы, затем «L» как символ долготы и второе «L» как аналог широты и т. д. Удивительно, но это стремление превратить любую букву алфавита в некий символ, оккультный знак, сближает его творчество с творчеством французского художника VILLEGLÉ7, создававшим в Париже в 1969 году социально-политические надписи.

Кроме того, RAMMELLZEE – один из редких теггеров, поиски которого имели достаточно серьезную теоретическую базу. Со временем, когда он все сильнее погружался в исследования связей между буквами и окружающими их символами изыскания, его надписи становились все более самобытными.