Kitobni o'qish: «Создание песни. Как начать писать тексты и музыку, стать себе продюсером и найти своих людей с помощью творчества», sahifa 3

Текст, мелодия, гармония и ритм как единый организм

Итак, текст песни задает семантику песни и может быть либо центральной, либо декоративной его частью.

Если взять какой-нибудь альбом, в котором наряду с песнями есть инструментальные композиции, и посмотреть их прослушивания, у песен их окажется намного больше. Это говорит о том, что люди гораздо больше слушают треки с вокалом и текстом, чем композиции, в которых вокала нет.

И это одна из причин, почему композиторы и музыкальные продюсеры – например, пишущие EDM – могут изучать и пробовать сонграйтинг. Это оправданный вклад в масштабирование своей аудитории.

Если мы говорим о жанрах, которые поются, текст очень плотно связан с вокальной мелодией. Мелодия и ритмический рисунок вокальной партии базируются на тексте (либо создают жëсткие рамки для его написания).

Когда текст и мелодия гуляют сами по себе, песня звучит невнятно, смысловые акценты теряются. Это довольно часто происходит в таких песнях, которые включаешь, начинаешь слушать и не хочется продолжать. Во многом это происходит потому, что если в тексте не соблюден ярко выраженный ритмический рисунок, то сыпется и ритм вокальной партии, а для воспринимаемости и запоминаемости мелодии структура невероятная важна. Причëм совершенно необязательно, чтобы она была очень простой и примитивной, либо, напротив, изысканной и сложной. Для начала она должна быть продуманной и соблюдаться.

Многие авторы любят писать сложно, но не любят делать это структурированно. В этом нет проблемы, если у вас при этом нет обиды на слушателя, которого мало.

Люди выбирают то интересное, что им комфортно воспринять. В этом нет их вины. В этом есть закономерность восприятия, которая будет работать, нравится нам это или нет.

Управляемая сложность, выстроенная на четкой основе, дает не менее изысканный и в то же время слушабельный результат.

Задача автора песни – выстроить взаимосвязь текста, мелодии, ритма и гармонии так, чтобы песню хотелось слушать до конца. И переслушивать.

Какую роль выполняет гармония? Она создает контекст, окружая мелодию фоном и окрашивая ее, ведь ноты мелодии создают общее звучание, общую вертикаль с нотами гармонии.

Гармония создает и ведет настроение в песне: смена аккордов может звучать эмоционально или меланхолично, зловеще или очень комфортно, повышать напряжение и разряжать обстановку. Многие песни построены на одних и тех же комфортных гармонических схемах, другие же намеренно ломают эту систему, чтобы привнести свою оригинальность. Иногда это звучит гениально, иногда – откровенно не очень. С этим можно поэкспериментировать, если делать это осознанно.

Методы работы с текстом, ритмом, мелодией и гармонией мы рассмотрим в специальных главах.

Форма песни и ее структура

Песня считается запевно-припевной, или куплетно-припевной, музыкальной формой.

Мы с детства знаем, что в песне, как правило, есть разные куплеты, повторяющийся припев и они чередуются. Это базовая куплетно-припевная форма, но не единственная.

Знание возможных вариантов помогает расширить возможности автора, поэтому полезно слушать референсы, определяя их структуру относительно событий формы – их состава и последовательности, а также того, как один и тот же вид события меняется по ходу песни.

Зачем анализировать форму референсов? Это дает представление о том, какими могут быть варианты. О том, как чаще всего делается в нужном вам жанре. О том, как люди привыкли воспринимать информацию. И о том, какие именно правила вы будете нарушать, если сильно этого захотите!

Возможные события формы

Интро – вступление. Это крайне ответственная часть, потому что если слушателя не вовлечет в песню за первые три-четыре секунды, он с большой вероятностью переключит трек. Звезды первой величины могут позволить себе длинное интро. Музыкант, желающий заявить о себе, – вряд ли. Иногда фрешмены и ноунеймы делают очень длинное саунд-дизайнерское введение, когда нужно слушать несколько секунд, чтобы добраться до мелодии, не то что до вокала! Не стоит поступать так с собой, можно быть хитрее. Пространственные вставки отлично пригодятся в концептуальным альбоме, в конце треков для плавного перехода, но не в начале. Когда новый человек включил ваш трек, у вас есть несколько секунд.

С точки зрения драматургии вступление создает экспозицию. Здесь можно показать основную фишку гармонии или проанонсировать хук из припева. В популярной музыке в качестве интро иногда ставят адаптированную версию припева, чтобы взять быка за рога и сразу завладеть вниманием слушателя.

Куплет – основной стройматериал песни. В куплетах ведется повествование, описывается ситуация, происходит сторителлинг. Куплеты строятся по единому ритмическому и мелодическому рисунку, их форма должна быть едина. Различия – в тексте и в оформлении аранжировки. Идеально, когда второй куплет уже знаком и понятен по первому и при этом привносит что-то свое, не давая слушателю заскучать. Тут уместно вспомнить о балансе «что-то знакомое + что-то новое».

Куплеты могут обладать простой и предсказуемой структурой либо состоять из разных этапов с разной ритмической и мелодической основой, но если эта конструкция возникла в первом куплете – ее стоит повторить и во втором (и в последующих, если в выбранной вами форме куплетов много). Слишком различные между собой куплеты запутывают слушателя и снижают запоминаемость песни. Впрочем, это не запрет: приоритеты и цели расставляет автор.

Припев – повторяющийся элемент, призванный запомниться слушателям и сделать песню узнаваемой. Припев – это высокая точка эмоциональной разрядки. Припев тоже может иметь сложную структуру, например, эмоциональную часть и повторяющийся хук.

Впрочем, хук – не столько структурная часть песни, сколько ее яркая изюминка, застревающая в голове. Хуком может быть и припев, и рифф, и элемент саунд-дизайна.

Пред-припев (пре-хорус) – событие формы между куплетом и припевом. Его функция – разгон, создание ощущения «сейчас жахнет». Если в куплете напряжение накапливается и нарастает, а в припеве взрывается, то пред-припев призван создавать ощущение «сейчас рванëт». Иногда вместе с пред-припевом или даже вместо него отлично работает внезапная пауза.

Пост-припев (пост-хорус) – продолжение припева, в котором соблюдается та же гармония, но присутствуют существенные изменения. Весь текст припева в пост-хорусе уже не озвучивается, остается только послевкусие, впечатление. От проигрыша, или мини-бриджа, пост-хорус отличается тем, что он сделан на основе припева и закрепляет эффект от него. Вместо повторения текста может повторяться только хук либо могут звучать отдельные фрагменты, нарезанные из вокальной партии (вокальные чопы). Может звучать упрощенная вариация припевной мелодии.

Паузы тоже можно считать событием формы. В некоторых жанрах есть ямы, в которых музыкальная ткань становится сильно разреженной. Хорошо работают и частичные пробелы в партиях, и полная тишина на всех дорожках перед важным моментом в песне. Резкий спад в правильно выбранном месте – пауза во всей аранжировке либо пропуски ожидаемых элементов ритмического рисунка – здорово привлекает внимание, будоражит слушателя и помогает ему с интересом слушать дальше. Как изучить возможности пауз? Слушать референсы и замечать, как они используются в признанных хитах и лично вами любимых песнях.

Бридж – мостик, которых в песне, как в Питере, и все разные. Кто-то называет бриджем короткий проигрыш между припевом и следующим куплетом. А большим бриджем можно назвать уникальную вставку после пары куплетов и припевов – в том месте, где пора дать слушателю свежих впечатлений. Зачастую это кульминация песни. Бридж может иметь внутренние повторы с вариациями, но он не повторяется в других местах в форме песни, что отличает его от куплетов и припевов. В поджанрах рока, по крайней мере олдскульных, эту функцию выполняет гитарное соло. Чтобы выделить его еще сильнее, продюсеры все чаще используют в больших бриджах другие инструменты и нередко меняют гармонию. Получается песня в песне. Изучите релевантные вам референсы, чтобы понять, насколько этот подход уместен в музыке, которую вам хочется делать.

Аутро – выход из песни. Он может иметь свою структуру, в которой партии инструментов потихоньку сходят на нет, либо – как было принято одно время в ХХ веке – весь трек просто плавно теряет громкость, пока не исчезнет. Аутро может вытекать из бриджа, но чаще между главным бриджем и аутро еще несколько раз повторяется припев. Еще одним, более классическим, термином для аутро является кода. Она может быть не похожа на то, что было в основной части песни, и кодой можно считать бридж, если трек заканчивается на нем без возвращения к припеву (например, как в песне Billie Eilish – Bad Guy).

Все эти элементы в разных сочетаниях составляют структуру песни, привносят в нее свои специфические функции и совместно работают на впечатление слушателя. Впрочем, стоит учитывать, что с популяризацией коротких музыкальных видео впечатление слушателей от песни сузилось до хука и может ограничиваться только им. Но не везде и не всегда: это не повод отказываться от структур, особенно если вы хотите, чтобы помимо звука в вертикальных видео ваш трек попадал в коллекции пользователей и надолго оставался в их сердцах. Это лишь повод уделять чуть больше внимания хукам и контексту, в котором песня способна завируситься.

Нарочитое повторение одной и той же структуры одним и тем же образом может сделать творчество предсказуемым. С другой стороны, есть жанры, в которых слушатели ждут гитарное соло или речитатив в определенном месте – и это дарит им чувство стабильности, завершенности, комфорта. Не существует предписания создавать песни по одной наиболее рабочей структуре, но некоторые закономерности стоит учитывать:

– Вступление за 3-4 секунды должно вовлечь слушателя, либо он с высокой вероятностью переключит внимание.

– Припев – повторяемая часть песни. Пред-припев и пост-припев используются с привязкой к нему по необходимости – следуйте за энергией и драматургией песни.

– Куплеты – повествовательная часть. Мелодия должна повторяться, при этом должно быть развитие. Совмещайте повторы с новыми элементами, используйте дополнительные инструменты и продюсируйте вокальное исполнение, чтобы удержать внимание и обеспечить запоминаемость.

– Бридж – чаще всего применяется в качестве третьего куплета. В этом месте нужно позаботиться, чтобы слушатель не заскучал, поэтому мы даем ему нечто новое и непредсказуемое. Бридж не повторяется.

Не бойтесь соблюдать структуру, это не сделает песню слишком банальной и предсказуемой. Внутри этой формы вы можете проявиться максимально творчески: сочетание устойчивых форм и креативных решений, «расфасованных» по ним, создает впечатление магии, управляемого хаоса, и структура может помочь вам «причесать» произведение, если вы чувствуете, что творческий полет выходит из-под контроля и вы опасаетесь за легкость восприятия.

Подход к структуре может быть признаком выбранного вами жанра или вашего персонального стиля. Анализируйте структуры песен – старых и новых, хорошо знакомых и современных, особенно если вы ищете способ быть актуальным в жанре и времени. Когда мы росли, мы привыкли к тому, что песни состоят из нескольких куплетов и припевов. Пред-припевы и пост-хорусы, даже бриджи могут стать неожиданностью, если после привычного русского рока или, к примеру, советской классики включить Lady Gaga. Но все эти неожиданности можно распознать как часть возможной технологии – и использовать их в своем творчестве.

Композиция песни

В основе структуры песни лежит форма ее топлайна. Это каркас из текстовых частей: куплетов и припевов, а также пред-припевов и текстовых бриджей.

При исполнении песни и при создании ее аранжировки к топлайну добавляются музыкальные участки без текста. Их может и не быть или быть совсем мало. Одни и те же части могут содержать текст или не содержать его (интро, бридж, аутро). В некоторых жанрах, особенно в олдскульном роке и метале, нет текстового бриджа, но есть гитарное соло. Наличие тех или иных структурных частей, их характер и даже размер в строках и четверостишиях (квадратах) могут быть атрибутами жанра.

Если вам важно придерживаться определенного музыкального направления, послушайте референсы в этом жанре и проанализируйте, есть ли закономерности в структуре песен!

Слушатели, в отличие от автора или продюсера, проводящего анализ референса, не видят всю раскладку структуры и воспринимают песню так, как она звучит в актуальный момент времени. Но они чувствуют энергию, смену настроения, подъемы и спады напряжения. Поэтому первостепенная задача автора – не удивить изощрëнной структурой, а использовать ее, чтобы направить внимание, энергию и эмоции в нужное русло.

Впрочем, иногда эксперименты не противоречат задаче, а помогают осознанно ее выполнить! Но нужно научиться качественно работать с базой, чувствовать еë, чтобы управляемое нарушение правил давало художественный эффект. Так, в песне группы свитерсоленями «Кот» автор будто бы переворачивает фактуру песни, меняя куплеты и припевы ролями и способами их оформления. Пожалуй, эту разницу заметят по большей части музыканты, продюсеры – и в этом подходе есть особая роскошь: использовать признаки «конвенционально красивой» структуры, направлять в ней энергию, создавать песню как будто простой и понятной – но в то же время со своими изысками, не усложняющими восприятие. Однозначный лайк!

Несколько слов о популярной музыке и вашем выборе в ней участвовать

Прежде чем мы будем двигаться дальше, давайте проясним, зачем это делать тем, кто не стремится к написанию хитов для поп-чартов. Одни авторы мечтают занять свое место в поп-музыке, другие предпочитают сосредоточиться на искусстве, создавать нишевые произведения и не гнаться за популярными формулами. Пользу из этой книги могут получить и те, и другие.

В популярной музыке в самом широком смысле часто встречаются закономерности и своего рода правила. Это скорее не насаждаемые искусственно рамки, а выводы, сделанные нашими наблюдательными предшественниками. Мы можем осознать их и применить. Они в том, как люди слышат и воспринимают музыку, на что реагирует большинство, какие методы соответствуют определенным задачам и несоблюдение каких рекомендаций от этих задач отдаляет. Это похоже на эволюцию, в ходе которой родилось множество жанров на самый разнообразный вкус, равно как природа насчитывает огромное количество разных, тоже сложившихся эволюционно, птиц, зверей и насекомых. И здесь мы будем их изучать и структурировать, независимо от того, кошек вы любите или тарантулов.

Говоря «популярная музыка», мы будем иметь в виду одно из четырех базовых направлений:

– Духовная музыка – всë, что связано с ритуалами и религиозными культами

– Народная музыка – часть традиционной народной культуры, передаваемой из поколения в поколения, фольклор

– Академическая музыка – те самые записанные нотами произведения больших (и не очень) композиторов. То, что часто называют классикой, хотя к академической музыке относится и авангард

– Популярная музыка. Это любая музыка, созданная для развлечения людей, массовая или условно массовая. Как в выражении «популярно объяснить» это слово означает «доступно для понимания», так и здесь. И поп-музыка, и поджанры рока и метала, ритм-н-блюз и хип-хоп, бардовская песня и uplifting trance – всë это относится к направлению популярной музыки независимо от того, какую жанровую окраску имеет инструментал и насколько популярной стала конкретная композиция. Жанров популярной музыки невероятно много, и все они достойны того, чтобы их понимали. У каждого из них есть свои характерные закономерности и признаки, по которым мы и можем распознать принадлежность песни к жанру, а также написать свою – уникальную, новую, но в рамках жанра, если хотим его соблюсти.

Так что: говорим «популярная музыка» – имеем в виду этот широкий сектор из четырех направлений. Как применять знания, в каком жанре делать свою музыку и придерживаться ли жанровых рамок в принципе – ваш личный выбор.

Итак, в разных произведениях популярной музыки есть закономерности, которые строже всего соблюдаются в коммерческой музыке и меньше всего – в нишевых жанрах. Причина – в целях, которые преследует автор: если задача сонграйтера – порвать чарты, он будет стремиться к этому, искать закономерности и формулы и стараться их соблюдать. Если автору принципиально не важны чарты или – напротив – принципиально важно в них не попасть, подчеркивая свою андеграундную принадлежность, он будет игнорировать некоторые аспекты и закономерности популярной музыки. Причем игнорировать как по причине незнания, так и по причине осознанного стратегического выбора. Но что, если бы он захотел применить их, если бы знал? Что, если высокое искусство можно донести до большего круга людей, поработав над теми надстройками, которые не противоречат нашей андеграундной идеологии?

В любом случае, о существующих инструментах лучше знать, чтобы осознанно применять их или отвергать не по незнанию, но из соображений концепции. Сальвадор Дали написал в своем дневнике совет для молодых художников: по его мнению, стоит сначала научиться рисовать и писать, как старые мастера, а потом уже действовать, как хочется. И тогда автора будут уважать.

Возможно, чтобы писать песни, как старые мастера, нужно было бы взять книгу, написанную старым мастером. Но я разделяю видение того, что лучше знать, как вообще делается, чем не знать и идти наощупь. Конечно, здесь мы не пройдем путь, заменяющий консерваторию и литературный институт. Но система, которой я хочу поделиться, поможет бесконечно развиваться дальше, нанизывая новые знания и навыки на понятный, логичный каркас.

Так что если вы – самобытный нишевой автор, здорово, если вы нарушаете правила, которые знаете и понимаете, и это ваш осознанный выбор. И не очень здорово, если вы – сонграйтер, стремящийся к написанию музыки сложившегося жанра и формата, желающий соблюсти ожидания слушателей и редакторов, но не знаете, какие исследования для этого нужно провести и что соблюдать в своем творческом процессе, чтобы достичь целей, которые вы сами перед собой ставите.

Многие уважаемые в узких кругах музыканты невероятно строги к знаниям и имеют за плечами крутое музыкальное образование. При этом некоторые мировые легенды делают музыку по наитию, и именно это делает ее самобытной. К примеру, именно так о своем подходе заявлял один из пионеров трип-хопа Tricky. Нет единого и обязательного набора предписаний, который откроет вам дверь в комнату с вашими слушателями. Но на некоторые детали вы можете обратить внимание, чтобы сделать свою музыку интересной или в принципе довести идею до состояния готовой песни.

В своих творческих поисках вы всегда сможете обратиться к этой книге, к референсам от любимых вами музыкантов, к своим собственным заметкам, и будете уверены, что знаете, что делать. Принятие решений в вашем творчестве по-прежнему будет принадлежать вам, но станет более обоснованным для вас же. Ходить по струночке и писать так, а не эдак, вас никто не заставит. И не позволяйте!

Идея – это самое большое и самое малое одновременно

Целые жанры могут строиться по одним и тем же принципам, и всë же песни в них получаются разными. Каждая из них – проявление некой идеи.

Самое ценное качество автора – умение создать и донести идею. Именно в таком сочетании.

Идея без воплощения не стоит ничего. Слишком много их сложено в стол у каждого из нас, будь то сюжет для книги, хук для песни или тема для стартапа. Хуже всего – хвалить себя за планы и намерения,не доводя их до реализации. В этом смысле идея – самое малое, что мы можем выдумать!

Воплощение без идеи – это пустое подражание тому, что уже было. Оно может быть техничным, многослойным, круто исполненным, но если нет идеи – это форма без содержания.

И только идея, претворенная в реальность, становится полновесным результатом. Она способна лечь в основу самого ценного и большого проекта в вашей жизни!

В этой книге вы можете почерпнуть подсказки для работы с формой, различные детали и методы творческой игры, но всë это – способы запустить и простимулировать ваш собственный мыслительный процесс, чтобы вы сгенерировали и оформили свои уникальные идеи. Я прошу воспринимать эти инструкции именно так.

Ну а теперь поговорим о форме, которая поможет структурировать отдельные мысли и идеи в единую песню.