Kitobni o'qish: «В помощь учителю рисования при подготовке к уроку»

Об авторе

Закончив обучение в детской школе искусств на художественном отделении, а затем и в индустриально-педагогическом техникуме, я начала работать преподавателем в той же художественной школе, которую некогда посещала сама. Естественно, что на первых порах мне пришлось столкнуться с проблемой нехватки материала для своих уроков и почти полного отсутствия новых методических пособий. Следовательно, чтобы подготовить интересный и в то же время познавательный урок, мне приходилось часами просиживать в библиотеках, посещать все ближайшие музеи и выставки.

С точно такой же проблемой сегодня приходится сталкиваться и многим другим преподавателям изобразительного искусства в школах, ведь похвастать большим опытом и знаниями способны немногие молодые преподаватели. Желая хоть как-то облегчить им задачу по поиску и подбору информации для своих уроков, я собрала наиболее интересный, на мой взгляд, материал и оформила его в виде пособия, в котором изложила собственный взгляд на методику проведения занятий. Надеюсь, что многим начинающим учителям, да и тем, кто посвятил школе большую часть своей жизни, эта книга поможет дать учащимся наиболее полную информацию о предмете и пробудить интерес к изобразительному искусству.

Щеглова А. В.

Раздел 1. Общие методические рекомендации при планировании занятий

Пояснительная записка

Художник-педагог может научить своего ученика только тому, чем он сам владеет, что знает, во что верит, чему предан. Отсутствие теоретических знаний и профессионального мастерства в педагогической работе недопустимо.

И. Е. Репин

Как не обидно это осознавать, но предмету «Изобразительное искусство» на протяжении последних нескольких лет отводилось самое последнее место в общеобразовательной системе обучения. Ведение «Изо» в школе, как правило, брали на себя те, кому просто-напросто не хватало часов, а потому о том, чтобы относиться к предмету с полной серьезностью, не было и речи. Рисование было лишь уроком развлечения и отдыха для школьников, да и для учителей тоже.

И только в последние годы школа осознала, что урок изобразительного искусства не просто времяпрепровождение, предназначенное для отвлечения и отдыха от более нужных и сложных предметов, а одна из составных частей эстетического воспитания школьников. Именно ему предназначено ознакомить учащихся с эстетической культурой восприятия прекрасного в жизни и в искусстве, дать знания об истории изобразительного искусства и выдающихся мастерах русского искусства, научить видеть прекрасное в окружающем мире.

Ведь если подумать, так о том, кто является в России лучшим мастером-маринистом или живописцем бытового жанра, вот так сразу способны ответить только единицы. И уж не имеет смысла говорить о том, что о художниках дети знают лишь то, что они что-то там рисовали, и хорошо, если они могут назвать по одному-два их произведения (что порой можно отнести и к самим преподавателям «Изо»). Между тем за рубежом истории развития и становления своего искусства и культуры отводится роль гораздо более важная, чем всем остальным точным предметами и наукам. Во многих странах давно поняли, что только через ознакомление детей с родной культурой и искусством можно привить им любовь к прекрасному и научить бережно относиться к достояниям своей культуры.

Вот в этом и состоит сегодня задача учителя изобразительного искусства: научить не только рисовать, это едва ли не самая последняя цель данного предмета, а научить видеть красоту окружающего мира, сформировать художественный вкус и дать возможность наслаждаться произведениями живописи настолько же, насколько все вокруг наслаждаются произведениями литературы и музыки. Донести художественное наследие до молодого поколения, обозначив ее как главную духовную летопись человечества, его путь к познанию правды и поиску истины, – вот наша главная задача и цель.

Очень правы те преподаватели «Изо», которые утверждают, что литература, музыка и изобразительное искусство самым тесным образом переплетены между собой и изучать их по отдельности не имеет смысла. Это действительно так, ведь все три предмета призваны открывать глаза на прекрасное, переносить в мир чистоты и гармонии. Смотреть произведения живописи без музыки – все равно что видеть ноты, но не слышать их звучания, читать произведения литературы и не представлять себе в воображении описанное. Словом, механистическое восприятие не принесет желаемого удовлетворения.

Музыка есть в душе каждого человека. А потому, едва приступив к просмотру картин, она сразу же, очень тихо, начинает звучать где-то в душе. То же самое можно сказать и о других предметах: воображение помогает оживить описанное в литературе, а картины мастеров живописи – перенестись в мир, созданный поэтом, вспомнить строки из полюбившихся стихов. Все здесь переплетено и взаимосвязано, но при этом во всех случаях перед преподавателями ставится одна-единственная задача: сформировать художественный вкус детей и развить их творческое воображение.

Именно с учетом этого требования и создано данное пособие. В нем учитель изобразительного искусства сможет найти для себя не только справочный материал о жизни и творчестве наиболее известных и признанных мастеров живописи, но и получит методическую помощь в подборе ряда музыкальных и литературных произведений, объединенных общим настроением, идеей и тематикой; сможет проследить связь всех трех предметов и влияние, оказываемое ими друг на друга. Правильно сочетав все это в уроке, умело подобрав его структуру и вариант проведения, преподаватель сможет достичь поставленных перед ним задач и целей.

Но вот найти в этом пособии пояснения о том, как изобразить тот или иной предмет, как научить видеть композиционный центр и соблюдать законы воздушной перспективы, преподавателю «Изо» не удастся, т. к. это совсем отдельный разговор, требующий гораздо большего времени. Практическими знаниями учитель «Изо» и без того должен владеть в полной мере, иначе задача передать все это ученикам и научить их правильно выражать свои замыслы живописными средствами ему будет не под силу.

В пособие же даны только советы по составлению содержательных уроков, на которых учитель не просто объясняет детям задание, и они приступают к его выполнению, не имея даже четкого представления о правильности изображения заданных предметов, а в первую очередь развивает эстетический вкус детей, их наблюдательность и воображение, показывает взаимодействие искусства с жизнью. А уже на основе этого подводит к заданию и приступает к практической части урока. Использование данного здесь материала поможет преподавателю разнообразить уроки, сделать их более интересными как для учеников, так и для самого себя.

1. Дидактические принципы обучения

К дидактическим принципам обучения изобразительного искусства относят следующее: научность, систематичность (последовательность), а также наглядность и прочность усвоения учебного материала. Только при соблюдении их всех можно без труда решить поставленные цели и задачи.

Принцип научности – один из наиболее важных принципов дидактического обучения изобразительному искусству. Он предусматривает изучение законов, правил и требований перспективы, светотени, цветоведения, композиции и истории искусства. При исключении из цепочки одной из тем знание материала не будет целостным.

Следующий принцип – систематичности – строится на том, что весь процесс обучения должен происходить последовательно, материал – быть логичным, подтверждаемым предыдущим и постепенно усложняющимся (в соответствии с возрастными особенностями учащихся). Он должен напоминать изучение азов русского языка и литературы: сначала знакомить с буквами, затем пробовать их соединять и только после этого переходить к чтению. Нельзя научить писать красками, не познакомив учащихся со светотенью и цветоведением, как и нельзя переходить к графике, не освоив рисунка.

Принцип наглядности говорит сам за себя: чтобы материал был воспринят надлежащим образом, он должен подтверждаться наглядным материалом, образцами, таблицами и этюдами. Данный принцип способствует повышению интереса учащихся к изучаемому предмету и теме. Без его соблюдения проведение уроков изобразительного искусства, особенно в младших классах, невозможно. Ребенок обязательно должен видеть то, о чем говорит учитель, будь то произведения определенного жанра, изучаемого на протяжении нескольких уроков, или же работы того или иного художника, с чьим творчеством он знакомится.

Последний принцип – прочность усвоения учебного материала – является как бы подведением итогов по пройденному и позволяет выявить пробелы в изучении, а при необходимости и восполнить их. Если тема усвоена некачественно, переходить к следующей нельзя, т. к. количество пробелов с каждым новым материалом будет только увеличиваться.

Умение учитывать все эти принципы при изучении основ изобразительного искусства позволяет учителю дать ученикам более глубокие знания и добиться успехов при решении поставленных перед ним педагогических задач.

2. Цели обучения изобразительному искусству

Цели каждого урока изобразительного искусства хоть и объединены общей задачей, но все же весьма различны. Для каждого предстоящего урока они определяются, исходя из темы и ее содержания. Приведенный ниже список наиболее распространенных из них поможет учителю подобрать для себя то, что ему необходимо.

• Привить учащимся интерес к рассмотрению картин и иных произведений изобразительного и декоративно-прикладного искусства. Научить подмечать в них самое главное, наиболее значимые детали и средства выразительности (цвет).

• Воспитывать эмоциональный отклик на произведения мастеров искусства и работы своих коллег (одноклассников).

• Познакомить учащихся с художественной речью, дать словесный набор, используя который, можно с легкостью охарактеризовать любое произведение живописи.

• Научить при рассмотрении репродукций и произведений живописи выделять их главную мысль и содержание.

• Научить детей эмоционально откликаться на цвет как на средство, создающее настроение, понимать это настроение и делать его описание.

• Научить чувствовать атмосферу художественных произведений и сопоставлять их с музыкой. Сформировать умение сравнивать звучность красок и мелодий.

• Сформировать у учащихся умение образно мыслить. Научить использовать литературные образы при создании собственных произведений.

• Дать учащимся представление о единстве трех видов искусств: музыки, живописи и литературы. Научить использовать это единство для достижения поставленных перед собой целей.

• Научить детей находить общее между произведениями живописи и литературы, выделять основные средства выражения главной мысли в этих видах искусств.

• Научить детей устанавливать связь между реальной действительностью и ее изображением в искусстве.

• Научить соотносить изображенное художниками в картине с реальной действительностью.

• Научить видеть красоту цвета и различных цветовых сочетаний в природе и произведениях изобразительного искусства.

• Научить понимать роль цвета в картине, устанавливать связь между содержанием и выразительными средствами.

• Научить замечать в произведениях живописи средства выразительности: цвет – от яркого до темного, форму – от мелкой до крупной, – и в полной мере использовать эти знания при создании собственной работы.

• Научить видеть и оценивать взаимоотношения между главными и второстепенными персонажами картины.

• Сформировать умение воспринимать различные образы в сравнении.

• Сформировать умение понимать эмоциональный настрой произведения и откликаться на него.

• Научить видеть красоту природы в различных состояниях. Понимать роль цвета в пейзажной живописи при изображении этих состояний.

• Воспитывать бережное отношение к природе. Формировать умение подмечать красоту в самых обыденных и мало примечательных предметах (листьях, рисунка крыльев насекомых и т. д.).

• Сформировать умение воспринимать образ Родины и видеть красоту природы через пейзажи.

• Познакомить с красотой родной природы через произведения русских художников. Научить выделять цвет как средство выразительности.

• Воспитать интерес к искусству через пейзажную живопись. Научить эстетически воспринимать природу в пейзаже, сравнивать работы различных авторов по использованным ими средствам выразительности, запечатленному настроению.

• Дать навыки правильного расположения изображения на листе. Познакомить с линейной и воздушной перспективой.

• Научить понимать содержание произведений, описывать действия изображенных на них людей. Научить выделять оси, композиционный центр и основную цветовую гамму.

• Развить интерес учащихся к произведениям искусства. Научить их выделять главную мысль произведения и средства ее выражения, самостоятельно делать анализ картин.

• Научить делать анализ логических связей в произведении.

• Научить находить в произведениях живописи общее между содержанием, композицией и формой изображенных предметов.

• Научить видеть красивые формы предметов и их сочетания. Развить стремление и желание подражать художникам.

• Научить детей связно и последовательно излагать свои мысли, описывая ощущения и ассоциации от произведений живописи.

• Научить выделять главную мысль произведения, давать психологическую характеристику изображенным образам.

• Развить умение выделять основную идею произведения, устанавливать связи между его содержанием и средствами выразительности.

• Научить оценивать социальную значимость произведения.

• Научить видеть и понимать роль пейзажа в передаче состояния героя. Развить творческую фантазию и воображение учащихся.

• Сформировать у учащихся эстетическое видение произведений живописи и окружающего мира.

• Показать красоту в сочетании форм и цвета через натюрморт.

• Научить оценивать состояние и настроение человека, изображенного на портрете, и подкреплять свои выводы используемыми при работе средствами выразительности.

• Сформировать умение оценивать настроение человека через его движение и позу, познакомить с правилами изображения этих движений.

• Закрепить умение сравнивать различные произведения живописи, находить сходство и различие в манере их исполнения, подборе и использовании выразительных средств, а также в содержании.

• Научить сопоставлять собственные наблюдения с изображением на картине.

• Научить правильному анализу произведений, использованию в своем рассказе стихотворных выражений и литературных описаний. Сформировать умение сравнивать произведения разных видов искусств (музыки, литературы, живописи), находить общее между ними.

• Научить чувствовать основное содержание картины, видеть ее композиционное построение.

3. Планирование занятий

Планирование занятий – это сложный, но, между тем, необходимый процесс. Без грамотно спланированной структуры урока невозможно достичь поставленных перед предметом целей и дать учащимся по-настоящему твердые знания по изобразительному искусству. Между тем последовательное и тщательно продуманное его проведение избавляет от нежелательных пробелов в изучении материала, помогает вызвать у учащихся интерес к уроку и повысить свое собственное педагогическое мастерство.

Планирование уроков изобразительного искусства – занятие довольно трудоемкое, т. к. перед преподавателем ставится задача не только научить детей правильно и красиво рисовать карандашами и красками, познакомить с линейной и воздушной перспективой, но и дать им минимальные знания о художниках, видах и жанрах изобразительного искусства, привить любовь к живописи и воспитать по-настоящему эстетичного и культурного человека. Все это легко донести до ученика при помощи целого ряда предметов, преподаваемых в художественных школах: рисунка, живописи, композиции, истории художеств, декоративно-прикладного искусства. Но как быть, если на все это дается так мало часов, а охватить нужно очень много информации, да и само обучение изобразительному искусству не индивидуальное, а массовое?

Следовательно, чтобы охватить все эти сферы и не упустить ничего, преподавателю просто обязательно нужно тщательнейшим образом спланировать свои занятия. Его уроки должны быть в первую очередь интересными и увлекать, заставлять учащихся продолжать обучение изобразительному искусству самостоятельно. Ведь школа – это лишь основа, учащая азам и знакомящая с тем, как познать больше, где взять нужный материал и как с ним работать. Желание же делать это может возникнуть только в том случае, если материал, даваемый преподавателем, будет увлекательным, интересным и ранее незнакомым.

Наиболее часто используемым методом обучения изобразительному искусству и в то же время наиболее продуктивным считается метод «забегания вперед и постоянного возвращения назад». Суть состоит в том, что во время уроков учитель периодически проводит своего рода разведку уже известного детям материала и на основе этого планирует следующее занятие. Кроме того, при самом изучении материала он опирается не на только что рассказанное, а на уже известное учащимся, благодаря чему в очередной раз укрепляет знание пройденного материала.

Обращение к этому методу очень эффективно и сразу же дает свои плоды. Во-первых, поскольку опора осуществляется на уже известное, новый материал не вызывает у учащихся никаких затруднений, а во-вторых, и старый материал постепенно закрепляется на последующих уроках.

Во время планирования занятий следует учитывать еще и то, что большое количество использованных на уроке фамилий, лишних фактов из биографий и дат создания произведений живописи перегружает память детей и отвлекает их от главного. А потому все, что не так необходимо для полного усвоения темы, лучше сразу отсеивать. В свою очередь, интересные факты, истории, музыкальные и литературные произведения, напротив, следует использовать в полной мере. Они позволяют не только разнообразить урок и сделать его не настолько скучным, но и закрепляют основной материал. Услышав очередной раз то или иное музыкальное произведение вне стен школы, учащиеся невольно будут вспоминать репродукцию картины с соответствующим настроением, а читая литературные произведения, станут ассоциировать их с изображенными эпизодами в произведениях известных мастеров.

Любой урок, конечно же, следует начинать со вступительной темы, а затем постепенно усложнять ее, вводить дополнительные подробности и факты. Данное пособие как раз и построено по этому правилу: в нем дан краткий справочный материал о зарождении и развитии изобразительного искусства, предложены музыкальные и литературные ряды, подходящие для изучения выбранных тем, указаны и сами темы. Преподаватель же сам определит, какие данные и эпизоды из жизни и творчества того или иного художника ему следует использовать при знакомстве с определенной темой, на какой музыке остановиться и какие литературные произведения использовать, чтобы наиболее полно донести до учащихся основную мысль урока.

Структура урока, его варианты

С каждым новым учебным годом преподаватели разрабатывают все новые и новые варианты уроков. Это и урок-сказка, и урок-беседа, урок-игра, открытый урок, урок-путешествие, урок-викторина, урок-КВН и т. д. Все это делается для того, чтобы найти оптимальный, наиболее интересный учащимся вариант урока, дающий более глубокие знания. Естественно, что для какого-то предмета будет подходить что-то одно, для другого – совершенно иное. Но вот что касается уроков изобразительного искусства, то тут все варианты удачны, особенно если преподаватель умело применяет их на практике.

Чем же отличаются друг от друга все эти уроки? Во-первых, методом преподнесения нового материала. Так, на уроке-сказке учащиеся будут узнавать новый материал постепенно, незаметно для самих себя, поскольку он будет переплетаться с фантастическим сюжетом. На уроке-путешествии новый материал предстанет в четкой последовательности, будто собираемый по крупинкам, шаг за шагом, а на уроках-играх тема будет раскрываться самими учащимися, с той лишь разницей, что на это их умелой рукой направит преподаватель.

Во-вторых, данные варианты уроков дают различные возможности использовать при их проведении дополнительный музыкальный и литературный и иной материал, подчеркивать связь изобразительного искусства с тем или иным видом искусства. Урок-сказка просто немыслим без литературы, урок-игра и путешествие – без музыки, а в некоторых случаях и без знания географии или иных предметов. Объединяет же уроки их направленность и общая цель, достижению которой они способствуют. Открытый же урок – это к тому же и еще одна ступенька в повышении методического уровня каждого учителя, своего рода и подведение итогов, и сравнительный анализ достигнутого опыта.

Следовательно, прежде чем приступить к окончательному планированию урока рисования, необходимо определиться с его вариантом, оценить, какой из них лучше всего позволяет использовать все интересные элементы и запоминающуюся информацию темы. А уже на основе этого можно делать дальнейшую работу: подбирать основной материал для урока, окончательно прорабатывать его структуру.

Далее я привожу вариант обычного плана-конспекта урока, наиболее часто используемого при подготовке. На его основе, заменив или преобразив некоторые пункты, можно разработать и структуру более редко используемых форм уроков.

Первым пунктом при составлении любого плана-конспекта всегда является тема. Она стоит в основе всего остального материала, и именно к ее полному раскрытию и следует стремиться. Иными словами, если темой урока является знакомство с пейзажем, то ни в коем случае после него на вопрос о том, что это такое, дети не должны пожимать плечами. Определение пейзажа должно быть первым, что следует привлечь к запоминанию.

Чаще всего на изучение одной темы в школе дается 2–3 урока, или 80-120 учебных минут (исходя из расчета в 40 минут). Задача учителя – суметь распределить это время самым рациональным образом. Особо следует заметить, что количество времени на тот или иной этап урока должно определяться до, а не во время него самого, что чаще всего и происходит. Иначе не хватит времени ни на объяснение до конца нового материала, ни на самостоятельную работу или домашнее задание.

Заранее стоит определить также и необходимый для урока наглядный материал и оборудование. Это поможет сохранить время для более важной части урока, а не тратить его на поиск в стопке папок репродукций для показа учащимся. Обозначение необходимого оборудования и материалов для учащихся исключит вероятность его полного отсутствия у детей, естественно, если учитель поспешит об этом позаботиться заранее и предупредит учащихся о необходимом им для следующего урока материале.

После выявления необходимого оборудования к уроку следует установление целей. Для каждого урока их непременно должно быть три: образовательная, развивающая и воспитательная. В основе образовательной цели лежит решение вопроса о том, как научить детей конкретным действиям (изображению природы, человека и т. д.), в основе развивающей – развитие умений, навыков, формирование определенных чувств (эмоциональной отзывчивости и т. д.), а в основе воспитательной – общая цель предметов искусства, т. е. воспитание культурного и нравственного человека, привитие любви к творчеству. Чаще всего некоторые из этих целей перекликаются между собой, что говорит о том, что преподаватель сумел правильно их подобрать.

Ход обычного, стандартного урока, как правило, состоит из 7 этапов, каждому из которых отводится определенное количество времени. Суть этих этапов видна из их названия. Примерный план-конспект урока будет выглядеть так.

Тема урока: «***»

Количество часов на изучение данной темы: 40 минут (80 и т. д.) Необходимое оборудование:

– для учителя;

– для учащихся.

Цель урока

– образовательная цель;

– развивающая цель;

– воспитательная цель.

Вид урока

– урок-сказка, рисование с натуры и т. д.

Ход урока

1 этап: организационная часть (3 мин)

Сообщение классу темы и цели урока, проверка готовности рабочего места.

2 этап: подготовка учащихся к активному и сознательному усвоению материала (4–5 мин)

Повторение пройденного материала, проведение небольшой беседы или упражнений.

3 этап: изложение нового материала (10 мин) Этап состоит из следующих ступеней:

– организация внимания учащихся;

– сообщение им нового материала (рассказ учителя);

– обобщение этого материала.

4 этап: проверка понимания учащими нового материала (15 мин)

Проведение беседы по пройденному материалу, установление осмысления учащимися содержания новой темы, ее глубины. Устранение обнаруженных пробелов в понимании нового материала (вопросы по пройденному материалу). Выполнение учащимися задания, закрепляющего изучаемую тему.

5 этап: сообщение домашнего задания (2 мин) Сообщение домашнего задания и разъяснение методики его выполнения, т. е. инструктаж.

6 этап: подведение итогов (1 мин)

Подведение итогов урока: организация мини-выставки, выставление оценок учащимся.

7 этап: уборка рабочего места (5 мин)

Приведение рабочего места в надлежащий порядок.

Следуя этому плану, учитель рисования сможет рационально использовать все отведенное ему на изучение того или иного материала время, донесет до учащихся материал в краткой и доступной форме, а также предотвратит возможность плохого усвоения новых тем и быстрого их забывания.

Методы проведения беседы

Пояснение

Во время бесед на уроках по изобразительному искусству и особенно на самых первых из них учащиеся еще не имеют представления о том, как правильно описывать произведения живописи. Вот именно в эти моменты и требуется использование метода пояснения, заключающегося в том, что после ответа ученика учитель делает необходимые пояснения, позволяющие детям точнее понять суть произведения.

Приведу пример. Когда младшие учащиеся описывают пейзаж, они, как правило, замечают следующее: на картине есть солнце или луна, деревья наклонены, на воде рябь. Следовательно, после такого рассказа учителю необходимо пояснить, что если присутствует солнце, можно определить, в какое время дня художник писал эту картину: солнце, располагающееся высоко, указывает на середину дня, у горизонта – на рассвет или закат и т. д., наклон деревьев и рябь на воде говорит нам о том, что дует ветер. Так что, описывая аналогичные работы следующий раз, дети уже будут указывать и на время написания картины, и на состояние природы в этот момент.

Сравнение

Весьма целесообразно прибегать к такому методу, как сравнение. Именно оно стоит в основе развития у детей образных ассоциаций, учит анализировать, сравнивать и делать определенные выводы. Во время сравнения музыкальных и художественных, литературных и художественных произведений между собой необходимо обращать внимание на выявление не только сходства, но и различия в цветовой (музыкальной, словесной) гамме, запечатленном настроении, главной мысли. В процессе этих сравнений учащиеся должны сами осознать, что даже во многом похожие между собой произведения могут иметь совершенно различное настроение и нести полностью противоположную мысль.

Акцентирование деталей на главном

Во время беседы следует использовать также метод акцентирования деталей. Суть его состоит в том, чтобы при рассмотрении репродукций картин научить детей быстро определять главное, выделять композиционный центр и основную мысль произведения. Добиться этого можно при помощи наложения на основную деталь малоизвестной картины однотонной карточки и определения т. о. недостающей детали. Так, если на картине присутствует природа и часть частокола, то дети непременно догадаются, что недостает дома, и т. д. При этом важно, чтобы они сами пришли к выводу, что если с картины удалить главное «действующее лицо» или основную деталь, несущую главную мысль, произведение станет незаконченным и бессмысленным.

Вызывание адекватных эмоций

При воспитании эмоциональной отзывчивости у детей на первый план во время беседы выходит именно этот метод. Он позволяет развить их заинтересованность в рассмотрении произведений живописи, а следовательно, вызовет у них соответствующее настроение, эмоции и чувства. В данном случае очень подходит выражение на языке искусства: «Познать – значит прочувствовать».

При рассмотрении репродукций первоначально следует опираться не на то, какие эмоции вызывает у детей эта картина, а на то, что они испытывают в те же самые моменты: во время дождя, при сильном ветре, осуществляя поездку, наблюдая за пейзажем через окно, обижаясь или злясь на кого-то (портрет) и т. д. Это научит детей сопоставлять реальные переживания с изображенным на картине, а значит, и сделает их анализ более полным.

Повторное возвращение к пройденному материалу

Во время беседы также необходимо постоянно возвращаться к уже пройденному материалу, чтобы закрепить его. Обращение может выражаться через сравнение с уже изученными произведениями.

Игровые заставки на уроке

Все дети любят играть. Об этом преподавателям при разработке структуры своего урока стоит помнить. Введение в урок даже небольшой игры позволяет не только его разнообразить и заинтересовать учащихся изучаемой темой, но и дает возможность еще раз подвести итог и закрепить новый материал. Некоторые игры постепенно могут стать основными (понравившиеся детям), а потому их стоит использовать на всех последующих уроках, связанных одной тематикой.

Какие же игры можно использовать на уроках изобразительного искусства? Во-первых, ассоциативные, развивающие у детей фантазию и образное мышление. В основе этих игр будут лежать используемые во время уроков музыкальные и литературные произведения, к которым учащимся необходимо будет выбрать картины художника, передающие то же самое настроение или основную мысль.

Например, преподаватель может поставить отрывок из любой музыкальной композиции, а после его прослушивания предложить детям найти в представленных взору репродукциях ту, с которой эта музыка наилучшим образом сочетается, а затем кратко сформулировать причину такого вывода. Если же мнения нескольких опрошенных детей будут расходиться, задание может быть оставлено на конец урока. При этом необходимо заинтересовать детей вопросом и заставить их задуматься. Это можно сделать при помощи поощрительного приза, который достанется тому, кто правильно ответит и разъяснит задание в конце урока.

Та же самая игра может быть использована и во время сравнения живописных и литературных произведений, характеристик образов главных героев, описаний природы. Здесь важен уже не просто подбор правильного произведения, но и определение его связей и тех литературных оборотов, при помощи которых автору удалось создать впечатление, аналогичное изображенному. После каждой такой игровой минутки учитель совместно с детьми может выписывать на доске основные словесные обороты, подчеркивающие настроение произведения. Благодаря этому дети будут их запоминать, а при дальнейшей работе и использовать, делая самостоятельно описание живописных полотен. Эти выделенные слова стоит пробовать вспомнить на следующем уроке или через урок. Это поможет развить память учащихся, особенно если в выполнении данного задания они будут заинтересованы.

Еще одной разновидностью может быть игра на разгадывание. Задачей преподавателя здесь является придумывание таких вопросов по просматриваемым произведениям живописи, которые потребуют у детей разгадывания. Можно, например, поинтересоваться названием незнакомой детям картины. Естественно, версий по этому поводу будет очень много, не исключено, что дети даже найдут ее настоящий вариант. Во время этого отгадывания следует задавать наводящие вопросы: «Какой является главная цель произведения?», «Что является композиционным центром картины?».

В виде загадок могут быть взяты и такие обобщающие задания, как, например, выявление лучших художников в том или ином жанре или напоминание о наиболее часто повторяющихся образах в произведениях живописи и названиях этих полотен. Это могут быть образы одних и тех же былинных и сказочных героев в разных или похожих ситуациях, образ женщины с ребенком и т. д. Еще одно из заданий – определение произведений, выполненных в схожей цветовой гамме, или воспроизведение в памяти портретов известных деятелей искусств и написавших их авторов (кто написан и каким художником?).

Очень интересной является и игра «Потерянный кусок». Суть ее состоит в том, что преподаватель демонстрирует учащимся кусок (угол, эпизод) любой известной по предыдущим темам картины, а учащиеся пытаются вспомнить и ее название, и содержание, и автора. Естественно, что определить, какой кусок из картины им показан, дети смогут, если при изучении этой темы они были очень внимательны и хорошо рассмотрели и запомнили демонстрируемые им произведения.

Данная игра обычно настолько увлекает учеников, что они просят преподавателя устраивать ее ежедневно – и тем самым дают учителю возможность не только проверить прочность их знаний и внимательность, но и повысить собственную внимательность к показываемым полотнам. Постепенно ученики смогут все более и более быстро определять название и автора произведения, а потому придется усложнять задание: показывать менее примечательные элементы картины или же демонстрировать вовсе неизвестную картину, предлагая им определить ее автора, опираясь на знание манеры письма художников и предпочитаемую ими тематику. Кроме того, можно давать словесные описания картины, по которым учащимся также предстоит определить загаданное произведение.

Как правило, дети любят кому-то подражать. Эту особенность тоже можно использовать в игре, например предложив школьникам воспроизвести сцену, изображенную на картине, придумать ей продолжение или же описать ощущения изображенного человека в момент после его «пробуждения». Что он видит, слышит, о чем думает? Очень много возможностей в этом плане дают картины бытового содержания или с изображениями людей: «Опять двойка», «Бой Ильи Муромца со Змеем» и т. д.

Во время урока стоит проводить и игры-конкурсы. Это позволяет увлечь детей и в очередной раз дает возможность закрепить пройденный материал. В виде конкурса можно провести игру «Я экскурсовод». Перед классом выставляется ряд репродукций, объединенных одной темой, а затем все учащиеся поочередно обыгрывают роль экскурсовода и предлагают зрителям свой рассказ о выставленных произведениях. По окончании игры голосованием выбирается победитель. А когда дети уже будут иметь основные навыки составления рассказа по картине, репродукции художников можно заменить на работы самих учащихся. Это даст возможность услышать о впечатлениях всего класса по поводу каждой из представленных работ, т. е. узнать их мнение на этот счет.

Аналогичным этому конкурсом может стать и игра «Я выдумываю». Проводится она следующим образом: учитель задает ученикам любую тему, дает время на обдумывание (можно поставить в этот момент музыку с необходимым настроением), а затем ученики рассказывают о той вымышленной картине, которую они нарисовали в своем воображении. По окончании игры также может быть проведена оценка рассказов. Естественно, выиграет только тот ребенок, который умеет передавать свои фантазии литературно и связно. Данную игру хорошо использовать в том случае, когда необходимо развить у детей фантазию и умение составлять последовательный рассказ.

Очень привлекают детей и игры, похожие на те, какие они сами придумывают. К ним относится, например, игра «Ярмарка». Ее можно провести следующим образом: устроить в классе большую выставку. При этом каждый стенд должен быть посвящен работам одного из школьников. Затем совместно с классом напишите объявление о том, что на протяжении всего дня в кабинете рисования будет проходить ярмарка, на которой можно «купить» любой рисунок, и всего-то за несколько добрых слов в адрес самого произведения.

Когда же на переменах в класс потянутся учащиеся других классов, учитель должен объяснить, что авторы «продадут» свои работы тем, кто сможет правильно описать понравившееся ему произведение, определить его главную мысль и придумать по нему рассказ. Кроме того, автору дается право задавать «покупателю» дополнительные вопросы на свое усмотрение. При помощи этой игры учитель рисования сможет не только привлечь к своим урокам учащихся других классов, но и продемонстрирует необходимость применения детьми полученных знаний на практике.

Если всевозможные игры и конкурсы проводятся в школе постоянно, то можно приготовить специальные медали лучшим ученикам и победителям: «Мастер натюрморта», «Специалист в области живописного письма» и т. д. В конце года может быть подведен общешкольный итог, где по собранным медалям и будет определен, а затем и награжден лучший художник школы.

4. Оформление выставок и стендов к урокам

Буквально все дети любят рисовать. Но, не видя положительной реакции со стороны окружающих и не чувствуя морального поощрения своего творчества, они очень быстро способны потерять всякий интерес к изобразительному искусству. Относится это и к уроками «Изо». Даже в тех случаях, когда все занятия интересны и занимательны для детей, их интерес к ним постепенно снижается, т. к. они не получают эмоционального заряда для создания дальнейших работ, не слышат отзывов окружающих о своих художественных фантазиях.

Чтобы этого избежать, учитель рисования должен организовывать в школе различные выставки, выбирать и награждать лучших художников четверти и года. Это привлечет к урокам рисования даже тех, кто не умеет и не любит этот вид искусства, не говоря уже об истинно увлеченных и действительно одаренных детях. При этом не следует забывать, что о своих успехах школьники прежде всего стремятся рассказать в семье. Порой это стремление приводит к тому, что, приберегая удачные работы для показа родителям, ученики отказываются оставлять их для выставки, чем нарушают все планы преподавателя и подводят других ребят. Исправить все можно, только пригласив на просмотр работ самих родителей. Следовательно, организованные преподавателем выставки не следует делать строго классными. Напротив, возможность посещать их должны иметь все желающие. Только тогда удастся по-настоящему приобщить детей к творчеству и искусству и привлечь к достижению общей цели их родителей и членов семьи.

Темы выставок возможны совершенно любые, но лучше всего выбирать более обобщенные, при оформлении которых можно использовать работы не только одного класса, но и других. Наиболее подходящими считаются темы: «Школьный музей», «Мир глазами детей», «Родителям об искусстве», «Образы зимы в творчестве русских художников», «Новогодняя сказка», «Золотя осень», «Весна-красна», «Музыка капели», «Архитектура вокруг нас», «Родина в творчестве художников пейзажистов», «В мире сказок», «Война в творчестве живописцев», «Наши мечты», «Путешествие по огромной планете», «Традиции и современность» и т. д.

При подготовке и оформлении выставок необходимо привлекать к этому и преподавателей других предметов: учителей музыки, труда, литературы, истории и т. д. Благодаря этому выставка получится гораздо интереснее, ведь на ней будут присутствовать не только рисунки, но и скульптура, керамика, поделки, созданные на уроках трудового обучения: из листьев, соломки, мозаики из стекла на цементной основе, маски и т. д. Правильно и точно подобранные музыка и литературные произведения, объединенные общей тематикой, привлечение не только любителей искусства, но и детей, которым полюбился тот или иной предмет, сделают мероприятие значимым и запоминающимся для всех.

Словом, когда выставка будет полностью оформлена, следует выбрать для нее наиболее подходящий музыкальный и литературный фон. Данная задача должна полностью лежать на учениках. Это поможет им закрепить полученные знания и применить их на практике.

Помимо музыки и литературных заставок, для каждой выставки необходим экскурсовод. Им также следует назначить наиболее успевающего по предмету ученика. Его задачей будет рассказать родителям и другим школьникам, пришедшим посмотреть на работы, о том, какова цель этого мероприятия, чьи работы представлены на выставке, что они показывают и подчеркивают. Кроме того, ему придется кратко проанализировать работы всех учащихся.

Время проведения выставки не следует ограничивать одним днем, т. к. не все сразу смогут ее посетить, да и родители не имеют возможности побывать на ней в одно и то же время. На выставку должно отводиться около недели, за это время каждый день желательно менять экскурсовода, а значит, все желающие смогут попробовать себя в его роли и гораздо большее число желающих сможет с ней ознакомиться. При желании, для родителей и просто посторонних почитателей искусства могут организовываться вечерние просмотры, во время которых тот же экскурсовод поведает об особенностях выставки или каждый ребенок самостоятельно расскажет о том, что он стремился запечатлеть на своем рисунке, какой была его главная цель.

В промежутках между рассказами экскурсовода целесообразно зачитывать эпизоды из литературных произведений, наиболее точно передающих настроение и событие, запечатленное в картине (это относится и к работам, созданным учащимися). Да и сам осмотр должен обязательно проходить на фоне тихо звучащей музыки. Иными словами, в зале должна быть воссоздана атмосфера той тематики, которая лежит в основе всего мероприятия. Очень хорошо, если на каждой выставке будет присутствовать книга отзывов, где все желающие смогут оставить свои заметки и наблюдения.

В конце года неплохо провести отчетный урок, а затем и выставку, на которой представить самые лучшие работы учеников школы, созданные на протяжении года. Такая выставка может носить название «Искусство нового времени», «Россия в XXI веке» и т. д. К ней учащиеся могут сочинить сказки, стихи, песни, подготовить театрализованные представления, представляющие собой этюды на основе сцен, запечатленных художниками в своих картинах.

Музей – довольно простое и обширное понятие, объединяющее в себе не только произведения изобразительного искусства, но и предметы быта, достижения техники и науки, кулинарные творения и природные дары, а также много чего еще. Оказывается, слово «музей» пришло к нам из Древней Греции, и означало оно «храм муз». Название это не случайно, т. к. греки называли музами всех богинь, покровительствующих искусству и наукам, а в самих храмах располагали предметы, находящиеся под их зорким взглядом.

Полезно устраивать в школе и фестивали изобразительного искусства или искусства вообще. Так, в определенные дни может быть проведен день поэзии, через неделю – день музыки или изобразительного искусства. Такое разделение по видам искусства вовсе не означает, что к каждому фестивалю будут готовиться только дети, увлеченные определенными предметами. Совсем наоборот, фестивали искусства – это прежде всего очередной способ показать взаимосвязь между музыкой, литературой и живописью, подчеркнуть их взаимопроникаемость друг в друга. Ведь для того же фестиваля литературы необходимы оформление сцены (задник), зарисовки к читаемым стихам и рассказам, определенный музыкальный фон, а сделать это намного проще тем, кто посвятил себя именно какому-то определенному искусству.

Все это касается выставок. Но процесс обучения изобразительному искусству невозможен без наглядного материала, который необходим преподавателю для проведения уроков и просто для оформления класса рисования. Этот наглядный материал лучше всего размещать на стендах, тем более что некоторые темы уроков проходят через весь год, а к иным приходится обращаться довольно часто на протяжении всего времени обучения.

Ниже приводятся варианты оформления стендов, наиболее часто использующихся во время уроков рисования.

1-й стенд: «Жанры и виды изобразительного искусства»

На стенде необходимо сделать несколько разделительных полос (на участки), в каждом из полученных промежутков расположить репродукции картин одного жанра живописи и дать к ним краткую аннотацию. Рассматривая стенд, окружающие должны сразу понять, что характерно для каждого из перечисленных жанров изобразительного искусства и какие художники мастерами какого жанра являлись.

Иными словами, под названием «Графика» должны присутствовать работы, выполненные карандашом, пером, углем или цветными карандашами, под названием «Скульптура» – фоторепродукции объемных произведений, созданных из глины, камня, дерева, гипса и т. п. Живопись должна объединять воедино жанры – пейзажный, портретный, анималистический, бытовой, батальный, маринистику, натюрморты. Заголовок «Архитектура и зодчество» – подкрепляться фотографиями старинных построек, церквей и иных зданий. И наконец, декоративно-прикладное искусство может быть представлено в работах мастеров Жостова, Гжели, Хохломы, Полхов-Майдана, Городца и Дымково.

2-й стенд: «Изречения и мысли об искусстве»

Этот стенд может представлять собой «сборник» высказываний, цитат и рассуждений искусствоведов, художников, критиков, педагогов об искусстве и его влиянии на жизнь людей и на духовный мир человека. Некоторые из этих высказываний вы можете встретить в приведенных ниже разделах.

3-й стенд: «Мир искусства»

Этот стенд-выставка призван содержать не только лучшие работы всех учащихся класса, но и быть дополнен пояснениями учителя, его заметками об успехах школьников, чтобы все учащиеся могли увидеть свои ошибки и при последующей работе не допускать их повторения. Рассматривая его, дети будут учиться правильному изображению предметов уже не по работам прославленных мастеров, а по рисункам друзей, одноклассников и других школьников. Словом, стенд представит собой своеобразную доску успеваемости и достижений в области искусства.

4-й стенд: «Родителям об изобразительном искусстве»

Этот стенд предназначен для родителей. Его задача – познакомить пап и мам с изобразительным искусством, обратить их внимание на взаимосвязь предмета с другими видами искусства. На стенде должны присутствовать материалы о том, какую литературу родителям и их детям стоит использовать, чтобы поближе познакомиться с творчеством любого художника, на чем заострить внимание ребенка при изображении им природы или человека.

5-й стенд: «Живопись нашего города»

Этот стенд представляет собой материал о художниках и мастерах декоративного искусства – выходцах из данного населенного пункта. В каждом, даже самом маленьком селе непременно имеются если не настоящие мастера живописи, то хотя бы любители искусства, художники-самоучки и ремесленники.

Чтобы собрать о них материал и оформить его в виде краеведческого стенда, можно устроить вместе с детьми поход к этим художникам, провести с ними беседу в классе и познакомить детей с их работами. Благодаря этому учащиеся смогут понять, что великие мастера – это не только в прошлом студенты Академии художеств, но и простые любители искусства, живущие среди нас, о которых хоть и очень мало известно, но это тем не менее не означает, что они не заслуживают признания. Вполне возможно, что именно работы этих людей через несколько десятков лет будут вспоминать потомки.

На данном стенде могут быть расположены фотографии художников вашей местности, их первые рисунки, картины, заметки из газет и даже сочинения учащихся, рассказывающие о впечатлениях, полученных в результате беседы и знакомства с творчеством художников родного края.

6-й стенд: «Природа – художник»

Данный стенд, в отличие от остальных, не просто напомнит о видах и жанрах живописи и биографических данных художников, а скорее станет ознакомительным и познавательным. Причем познавать дети будут сами, а стенд расскажет об их выводах и наблюдениях.

Иными словами, подбирать материал для данного стенда следует не учителю, а учащимся, которым необходимо пояснить, что для оформления в классе уголка на тему «Природа – художник» им следует быть очень наблюдательными и внимательными, примечать самое неприметное для глаза, собирать красочные и оригинальные по рисунку листья деревьев, необычайно, художественно изогнутые веточки, фотографии различных состояний природы, делать ее зарисовки и т. д. Когда же достаточное количество материала будет в наличии, совместно с классом преподаватель может спланировать расположение предметов на стенде и оформить его.

7-й стенд: «Декоративно-прикладное искусство в жизни человека»

Сама по себе тема очень обширна, а потому требует отдельного внимания. На этом стенде могут располагаться не только фотографии изделий мастеров Жостова, Гжели, Городца, но и современные изделия: деревянные игрушки, восковые и тряпичные куклы, металлические кованые изделия и т. д. Данный материал можно расположить на стенде в хронологическом порядке: сначала деревянные поделки, а затем постепенное их преображение до современной интерпретации.

5. Определение уровня усвоения материала учащимися

В конце каждой четверти желательно выявлять самых знающих учащихся и организовывать их награждение, чтобы тем самым стимулировать остальных детей на дальнейшее изучение материала. При этом следует проводить все так, чтобы сами учащиеся заинтересовались оценкой собственного уровня знаний.

Всего, образно, можно выделить три уровня: хорошее знание материала, средний уровень знания и недостаточный. Хороший уровень подразумевает быстрый ответ на заданные учителем вопросы, без наводящих вопросов осуществляемый анализ произведения, умение доказывать правоту своего утверждения, а также определять основную цветовую гамму, композиционный центр, настроение и тему произведений. Средний уровень отличается от предыдущего тем, что учащийся не может доказать свою точку зрения или затрудняется в подборе образных сравнений. И, наконец, недостаточное знание материала характеризуется неумением учащегося осуществлять характеристику произведений и находить ответы на вопросы без помощи преподавателя.

Это определение степени знания материала позволяет учащемуся увидеть свое слабое место, а значит, иметь представление о том, к чему следует стремиться в дальнейшем. Все данные желательно оформить в виде графика или таблицы и поместить на доске в классе, чтобы дети имели возможность сами ознакомиться с ним. Кроме того, желание быть лучше вызовет у учащихся желание стремиться к достижению этого.

6. Организация родительского собрания

Прочитав заголовок данной подтемы, вы, возможно, невольно подумаете: а зачем, собственно, учителю рисования родительское собрание? Как-никак, это вовсе не основной предмет, не что-то важное, на что следует отвлекать и без того занятых людей. И все же без подготовки к родительскому собранию преподавателю изобразительного искусства не обойтись.

Начну с того, что в каждом классе обязательно проводятся хотя бы раз в месяц встречи с родителями. На них классный руководитель решает все возникшие общие вопросы, и, конечно же, если это и в самом деле квалифицированный преподаватель, он не забудет сказать об успехах своих учеников по всем предметам, т. е. подчеркиваются достижения каждого учащегося по тому или иному предмету, который дается ему наиболее легко и не вызывает затруднений. И это вполне нормальное явление, т. к. каждый родитель идет на собрание только для того, чтобы услышать о своем собственном ребенке, а не о чьих-то еще, пусть даже и самых великолепных детях. Об этом следует помнить.

Услышать что-то о своем ребенке мамам и папам, конечно же, всегда приятно, т. к. у них возникнет гордость за малыша. Но еще больше радости доставит родителем выступление на собрании учителя рисования, который поведает, чего успели достичь их дети, в каких школьных художественных конкурсах они одержали победу, и продемонстрирует работы учеников. Таким выражением внимательности к их детям преподаватель, с одной стороны, вызовет у них интерес к увлечению ребенка, а во-вторых, позволит учителю найти в лицах родителей необходимых для себя помощников. В дальнейшей работе, когда будут проводиться вечера искусства, иные мероприятия, имеющие отношение к рисованию, он без проблем при необходимости получит от родителей помощь в подборе нужного материала, изготовлении оформления сцены (задника) и т. д.

Словом, участие в классных и общешкольных родительских собраниях для учителя изобразительного искусства – занятие очень важное и необходимое, составляющее часть его методической работы, а потому отнестись к нему стоит с особой серьезностью.

Задачи родительского собрания

В чем же состоит основная задача выступления и участия преподавателя рисования на родительском собрании? Главной целью данного мероприятия следует ставить привитие интереса родителей к предмету, сообщение им минимума знаний, необходимых для осуществления самостоятельного обучения изобразительному искусству своего ребенка.

Кроме того, именно на собраниях родители должны в очередной раз, но теперь уже от самого преподавателя, а не ребенка, услышать о его достижениях.

Темы выступления преподавателя рисования на родительском собрании

Приступая к подготовке речи для родительского собрания, преподавателю изобразительного искусства следует обратить внимание на то, что действительно будет интересно узнать родителям по данному предмету. Такими темами будут, скорее всего, рассказ о том, как научить ребенка правильно смотреть картину, находить выразительные средства в живописи, разъяснение правил правильного рассмотрения картин в кругу семьи или во время посещения музея.

Особенно заинтересует родителей рассказ о том, как организовать в доме свой собственный музей, как красиво оформить альбомы малыша. Здесь учителю следует представить родителям образцы распределения в альбоме открыток с репродукциями произведений живописи, по аналогии с которым можно создать и свой собственный альбомный музей. Или же дать пояснения о том, как расположить произведения, созданные своими руками, на стене в комнате ребенка. Это может быть распределение по временам года, жанрам, настроению и т. д.

При этом во время каждого собрания непременно следует подчеркивать, что «изобразительное искусство – это средство воспитания», а потому относиться к нему небрежно не следует.

Структура проведения

Свой краткий рассказ на родительском собрании учителю можно построить по следующему плану.

1. Краткое знакомство с изучаемыми на протяжении года темами.

2. Перечисление списка запланированных мероприятий и конкурсов.

Это необходимо сделать, чтобы родители заранее знали, к чему дети будут готовиться, и помогли им, когда придет время. Здесь же может быть дан справочный материал по поводу того, каким образом можно вызвать у ребенка интерес к этим темам, ведь если он заинтересует родителей, то и интерес к ним ребенка будет несомненным.

3. Краткая характеристика успехов каждого учащегося.

О каждом из учеников обязательно следует сказать хоть сколько-нибудь хороших слов. Если же имеются какие-то замечания или требуется заострить внимание родителей на каких-то проблемах ребенка (о постоянной неподготовленности к уроку, торопливости и т. д.), беседу на эти темы следует вынести за пределы собрания и поговорить наедине. Иначе родитель невольно станет испытывать к учителю антипатию и вряд ли попытается помочь в решении проблемы, после того как только что во всеуслышание было заявлено о плохом поведении или иных нарушениях их чада.

4. Знакомство родителей с тематической выставкой, подготовленной к собранию.

Здесь необходимо продемонстрировать работы каждого из учеников и пояснить, где и у кого что получилось лучше, чем у остальных.

5. Ответы на вопросы родителей.

И последним этапом, конечно же, следует сделать ответы на задаваемые родителями вопросы. В тех случаях, когда родители стесняются что-то высказать вслух или поделиться своими впечатлениями и мыслями, следует подготовить небольшую книгу заметок или отзывов, где каждый сможет оставить свои замечания и дать советы.

Раздел 2. Зарождение и дальнейшее развитие изобразительного искусства

1. Первые рисунки древних художников

Рисовать – не значит просто воспроизводить контуры: рисунок не состоит из одних только очертаний.

Энгр

Рисовать человек начал очень давно. Первыми его рисунками были наскальные изображения, выбитые в глубине пещер и промазанные, для большей сохранности, глиной, смешанной с животным жиром; небольшие нательные рисунки, наносимые как для украшения тела, так и для устрашения своих врагов. Рисовали они и на глиняной посуде, выдавливая на ней палочками странные иероглифы и значки, и даже наносили краски на кожу животных, тем самым клеймя их.

Как это ни странно, но уже тогда древние художники имели свои особые правила изображения и близкий и понятный только им материал: камень, глину, золу, раскаленные копья. Изображаемые ими символы и рисунки были не просто простым украшением, но и своеобразным заклинанием, способным отпугнуть врага (рисунки на теле), поспособствовать удачной охоте (рисунки исколотых копьями животных) и т. д. Древних художников можно было бы даже назвать магами и шаманами, ведь именно от их умения рисовать зависело, будет ли племя сыто, сможет ли одолеть врагов и избежать болезней.

Значение слова «рисунок» трактуется по-разному: это и основа языка всех видов изобразительного искусства, и беседа художника с натурой, и рассуждение о жизни, и даже лепка предметов светом и тенью. Хотя суть его значения от этого не меняется. Иными словами, рисунком можно назвать все, что изображено карандашом от руки, так, как это видит человеческий глаз.

Самыми первыми красками, открытыми нашими предками, стали глина и сажа. Первая составляла палитру из следующих цветов: желтого, красного, слегка зеленоватого и белого, а вторая выполняла роль черного цвета. Именно этими материалами природного происхождения долгое время выполнялись все рисунки. Чуть позднее эта краска получила название «охра» – т. е. краска, растертая с маслом. В дальнейшем она хоть и претерпела некоторые изменения, но название за собой все же сохранила.

Спустя несколько веков появилась необходимость в поиске более стойкого художественного материала, который не смывался бы с одежды, стальных предметов и домов. Этим материалом стали растения. Человек научился добывать из них соки, перерабатывать их и превращать в краску. Первоисточником желтого цвета стали соки молочая и шелковицы, отвары луковой шелухи до сих пор дают нам коричневый, многие ягоды – красный. Все эти накопленные веками знания все еще находят применение в сельской местности, где натуральными красками так и продолжают расписывать пасхальные яйца, подкрашивать всевозможную выпечку. Не смогли вытеснить природных красителей и появившиеся химические краски.

Зрительный ряд

Наглядным материалом при изучении искусства древних художников, конечно же, будут слайды с изображением первых наскальных рисунков, глиняных табличек, украшенной изображениями посуды и даже варианты нательной росписи некоторых племен. Все это можно обнаружить в стандартных учебниках по истории.

Неплохо продемонстрировать детям и первые натуральные краски, приготовленные из соков растений (сока свеклы, отвара луковой шелухи, сока молочая), а также кусочки разноцветной глины. Эту краску учащиеся могут попробовать нанести на бумагу. Как правило, зрительное видение предметов, о которых здесь рассказано, позволяет на длительное время закрепить материал в сознании учащихся.

Литературный ряд

Литературным фоном для урока будут служить стихи и рассказы о быте древнего человека, его повадках, манере поведения, внешности и т. д. Его могут подобрать и сами учащиеся.

Полезно также зачитать в начале урока стихотворение Олега Тарутина «Иероглифы», дающее представление о том, как при помощи символических рисунков наши предки передавали друг другу информацию.

Музыкальный ряд

Тематика урока, конечно же, накладывает отпечаток на выбор музыкального ряда. В данном случае почувствовать атмосферу древности помогут народные и былинные музыкальные произведения, песни жителей севера и индейских племен, игра на бубнах и других первоначальных музыкальных инструментах.

Применение материала

Знакомство учащихся с первыми художественными материалами и искусством живописи в произведениях древних мастеров лучше всего проводить на вводном занятии. Это позволит не только заинтересовать уроками, сконцентрировать внимание школьников, только что вернувшихся с летних каникул, на материале, но и настроить их на дальнейшую работу. Кроме этого, дети получат знания о первых красках и изобразительных материалах, что поможет им при дальнейшей работе.

Проведение беседы с учащимися

Проведение беседы при изучении этого материала лучше всего начать с опроса учащихся о том, какие натуральные краски используют их мамы при необходимости подкрасить выпеченные изделия, крем, пасхальные яйца и каким образом они это делают? Этот ход привлечет учеников к беседе, заинтересует будущей темой и заданием. Чтобы слегка разнообразить урок, во время беседы можно привести небольшой рассказ о том, как были обнаружены человеком те или иные краски, какие соки растений русичи использовали в качестве косметики. Детям наверняка будет интересно узнать, что сажей женщины рисовали брови, свеклой подкрашивали щеки и губы. К следующему уроку им можно дать задание расспросить своих бабушек и дедушек о том, какие соки растений и как они использовали в молодости.

2. Иконопись как фундамент изобразительного искусства в России Традиция иконописи и символика цвета

Цвет – материал живописи: цвета в своем уединении плачут и смеются, мечтают о счастье, о любви, они поют волшебные хоралы, они оживают и умирают.

Эмиль Нольде

Уже давно люди стали ассоциировать цвета с различными состояниями природы (весна – зеленые, осень – желтые), настроением, состоянием души (горечь и печаль – черные, радость – нежно-голубые и розовые). То, что цвет оказывает разностороннее влияние, ни у кого не вызывает сомнений. Каждый знает, что если долго любоваться желтым цветом, то в душе зарождается беспокойство, зеленый же, напротив, успокаивает и расслабляет, красный будоражит кровь и возбуждает. Не только любой цвет, но и его оттенок несет определенную смысловую нагрузку.

Если опросить какое-то число людей, задавая им вопрос, какой цвет был самым известным более длительное время, чем другие, то все их ответы будут приблизительно одинаковыми: золотой – как цвет роскоши и богатства, красный – как цвет славы и силы, черный – как неоспоримая классика и постоянна тайна. На самом же деле таким цветом является голубой. Именно он привлекает к себе взоры мечтателей, любующихся небесным простором, очаровывает художников своими возможностями. Под действием связанных с ним ассоциаций в России появляются целые организации любителей искусства. Их названия говорят сами за себя: «Голубая роза» (художественное объединение), «Синий всадник» (группа любителей холодных оттенков). Да и само творчество во времена Пикассо очень сильно поддается влиянию охватившего художников «голубого периода».

Стремление сравнивать и сопоставлять все с цветом появилось очень рано. При этом каждая эпоха толковала символику цвета по-своему. Так, в древности красный цвет символизировал кровь. Возможно, именно поэтому у многих народов было принято покрывать умерших красной тканью или посыпать краской. Он же олицетворял одну из сторон света, а именно – запад. А у некоторых народов его даже сравнивали с женщиной. Чуть позднее к этим ассоциациям присоединились еще и страсть, слава и сила.

Белый относили к цветам божественным и чистым. В одежду этого цвета всегда облачали невест, тем самым подчеркивая их невинность и чистоту. Тем же, кто до брака имел плотские связи, венчаться в белом запрещалось. Белый в современном искусстве – это центр внимания и концентрация на главном.

Голубой считали цветом неба и водной стихии, мечты и одновременно холода. Этот цвет был единственным, который удостаивался звания «божественного». Объяснить это можно тем, что вода являлась символом крещения, отсюда и такое восприятие данного цвета. Как и голубой, многие другие цвета тоже имели свое объяснение, основанное на божественном к ним отношении. Так, зеленый стал символом надежды, фиолетовый – душевного страдания и раскаяния, коричневый указывал на отрешение от мира, серый характеризовался как смирение, желтый был цветом предательства и измены, черный же закрепил за собой звание цвета смерти и тьмы. А вот цветом рая стала комбинация золотого, зеленого и красного.

На основе этого довольно легко понять, что именно пытались подчеркнуть на своих иконах древние иконописцы, на чем концентрировали внимание зрителя, на какое отношение их настраивали. Все, что имело отношение к крови, они окрашивали в красный. Красный фон на иконах расценивался как кровь Христа, красными были и сосуды со священной водой. Желтым окрашивали одеяния предателей (изображения Иуды). Но понимание цвета у каждого художника различное, а потому очень большой была вероятность возникновения серьезных разногласий в написании одного и того же святого, а этого церковь допустить никак не могла.

Желая хоть как-то упорядочить распределение цветов при изображении образов святых, папа Иннокентий III ввел единую цветовую символику для иконописи, составленную на основе взаимосвязи цветов с Богом. В соответствии с канонами, белым рисовали все, что имело отношение к рождению и вознесению, красным писали предметы, окропленные кровью (распятия, мучеников). Зеленый цвет стал символизировать праздники, синий – близость к Богу, возвышенность, черный так и остался цветом тьмы, горечи и скорби. Опорными же цветами иконописи стали красный, синий и зеленый. Именно они составляют основную цветовую гамму Святой Троицы.

Система написания икон стала настолько упорядоченной, что, еще не приступив к работе, художник уже знал, что и в какой последовательности следует делать. Сначала он деревянную заготовку покрывал левкасом, иначе говоря, меловым грунтом, по поверхности которого и велась вся остальная работа. Готовое произведение художник-иконописец сверху покрывал ровным слоем олифы или иной масляной смеси, которая, к сожалению, быстро темнела и приводила иконы к порче. Естественно, что от таких ненужных икон следовало как-то избавляться. Лучшим вариантом для уничтожения святых предметов древние люди посчитали сплав их по реке ликом вверх. Они полагали, что икону по пути непременно подбирает Бог и помещает в свои хоромы, вернув ей былой вид. Чуть позднее христиане стали сжигать иконы по окончании молебна на перекрестке или же использовали их для создания новых, нанося прямо на старый рисунок что-то иное.

Для икон церковь определяла не только цвета, но и правила самого их изображения, ведь иконные образы считали первообразами, т. е. не просто придуманными человеком, а заданными свыше. Церковники установили нормы написания каждого святого: как он должен быть изображен, в какой позе, что держать в руках, каким должен быть его взгляд. Эти нормы назывались канонами (строгими правилами). В связи с возникновением этого значения образовались и его составляющие: брацы и прориси. И те, и другие схожи по значению и представляли собой контурные рисунки на кальке, которую накладывали на заготовку и переводили. Иначе говоря, художники попадали в полную зависимость от строгих рамок и не имели возможности отклониться от правил.

Многие, если не сказать все, иконы дошли до нас написанными на одном и том же материале – дереве, чаще всего липовых или сосновых пород. Почему древние художники предпочли именно его, а не бумагу, понять просто. Во-первых, изображения, написанные на бумаге, очень быстро портились, выцветали на солнце и были неудобны для постоянного использования. Во-вторых, дерево на Руси всегда считалось самым дешевым материалом, чего нельзя сказать о бумаге, производство которой в большом количестве началось очень поздно и было неспособно обеспечить нужды всей страны. Деревьев же было хоть отбавляй, да и хлопот они требовали не особенно много.

Вносить что-то свое в изображение древние художники не имели права, а потому старательно срисовывали уже существующие образы святых с икон, написанных ранее. Вот и выходило, что все иконы получались очень похожими, порой даже совершенно идентичными не только по цветовым комбинациям, но и по образу изображенного на них святого.

Церковь же вела тщательный надзор за иконописцами, а найдя расхождения в написании божественных ликов, могла жестоко расправиться с ослушником. Ни о каком дальнейшем развитии живописи в этот период ограничений и строгих рамок просто не могло быть и речи.

Зрительный ряд

Для понимания, что передает через себя цвет, какую смысловую нагрузку он несет, его необходимо сравнить с наиболее яркими образами: огнем, листвой, солнцем, водой, землей и т. д. Именно изображение этих стихий и иных, свойственных природе различных состояний (тумана, рассвета и т. д.) в произведениях известных художников помогает почувствовать настроение и символику цвета. Глядя, например, на картину Ф. Марка «Башня синих лошадей», зритель чувствует холод и дрожь, созерцая пейзаж И. Левитана «Осень», начинает ощущать жар от ярко-желтых и оранжевых красок. Словом, все репродукции для урока необходимо подбирать по одному принципу: они должны давать четкое представление о цвете и быть написанными в одной цветовой гамме.

Литературный ряд

Цветовые ассоциации прослеживаются в творчестве буквально всех писателей и поэтов. Много сравнений можно увидеть в стихах С. Есенина, сопоставление музыки и цвета вы найдете в сонете А. Рембо «Гласные». Очень сильное ассоциативное восприятие и гармонию цвета с предметами показывает в своем произведении «Наоборот» Гюисманс. Во время урока полезно зачитать эпизод с оформлением дома главного героя в черной гамме. Учащимся не помешает представить себя в описываемой автором черной бархатной гостиной, где гостей обслуживают негры, да и на столе присутствуют только блюда, имеющие черный цвет (икра, хлеб), пройти вместе с ним по тропинкам, посыпанным золой, и понять силу воздействия цвета на человека. Чтобы учащиеся лично соприкоснулись с символикой цвета, можно дать им задание самостоятельно подобрать выдержки из недавно прочитанных произведений, в которых четко видны сопоставления цвета с явлениями, поступками, настроением.

Музыкальный ряд

Подбирая музыкальное сопровождение для своего урока, следует помнить о том, что каждый цвет имеет собственную музыку. Например, черный подчеркивает музыкальные композиции, пронизанные грустью и тяжестью, зеленый – музыка, воспроизводящая атмосферу весны, голубой – звонкая мелодия капели и журчания ручейков. Оптимальным вариантом может быть зрительный ряд П. И. Чайковского, воспроизведенный во «Временах года», а также эпизоды из произведений М. Чюрлениса и Н. Римского-Корсакова, посвященные различным состояниям природы.

Применение материала

Материал по символике цвета может стать великолепным помощником на занятиях, проводимых по следующим темам: «Художник как выразитель идей, мечтаний, мыслей и чувств всего человечества», «Древние корни народного искусства», «Знакомство с ахроматическими и хроматическими цветами», «Цвет как средство выражения», «Теплые и холодные, глухие и звонкие цвета», а также «Иконы в твоем доме», «Наследие предков», «Представление жителей Древней Руси о духовной красоте человека», «Цвет как основа языка живописи» и т. д.

Проведение беседы с учащимися

Чтобы проверить и закрепить данный материал, во время беседы с учащимися следует задавать им наводящие вопросы, в процессе решения которых они могли бы еще ярче осознать значение цвета в жизни и творчестве человека. Задаваемые им вопросы могут быть различными. Чуть ниже приводятся несколько их вариантов.

1. Цвет сегодня ассоциируют буквально со всем: с темпераментом, с состоянием души, со сторонами света. А с какими цветами, на ваш взгляд, ассоциируются образы мужчины и женщины? Обоснуйте свой ответ.

Выслушав ответы детей и обсудив их, можно поведать о том, что некоторые страны пошли несколько иным путем, и их символика цвета относительно пола человека значительно отличалась и отличается от распространенной. Так, в Древней Греции цветом мужчин считают синий, а потому часто подкрашивают им бороды и статуи. В Египте таким цветом является темно-коричневый, в то время как образы изображаемых женщин окрашивают гораздо более светлыми тонами.

2. Некоторое время назад цвет был ассоциирован с четырьмя сторонами света. В результате золото стало характеризовать север, такой же холодный, как и оно само, серебро – восток, сияющий и искрящийся поутру или на вечерней зорьке, словно серебро. Цветом юга стала лазурь, а запада, куда чаще всего уходит солнце, красный. Согласны ли вы с этим распределением? Какие бы цвета вы сами соотнесли с данными сторонами света и почему?

3. Для детей, уже имеющих знакомство с цветом, вопросы можно усложнить. Например, попросите их выбрать цвет, соответствующий каждому из четырех типов темперамента. Обсудите эти утверждения, а только затем ознакомьте их с установленной символикой. (Красный цвет характеризует сангвиника, желтый – холерика, белый – флегматика, а черный – меланхолика).

4. Как вам известно, традиции написания икон были тщательно отточены и выверены. Назовите мне несколько основных правил, отражение которых можно найти во многих иконах?

5. Опишите последовательность создания иконы.

«Троица» А. Рублева (ок. 1360 – ок. 1430)

Рисовать – значит видеть пропорции.

Н. Н. Ге

Вряд ли можно встретить человека, который не знал бы и ни разу не видел произведения Андрея Рублева «Троица». Эта икона знакома всем с детства. Изображенные на ней три образа как бы говорят нам о дружбе, любви и согласии, дают веру в лучшее и возвращают в старину.

О создателе «Троицы» известно очень мало, т. к. он жил шесть столетий назад, во времена частых монголо-татарских набегов. Ученые-библиографы выдвигают различные версии о его жизни. Одни утверждают, что Рублев – это не настоящая фамилия художника, а всего лишь его прозвище, данное по месту рождения, деревни Рублево близ Москвы-реки. Другие считают, что художник начал свой путь как иконописец в городе Старице Тверской губернии и почти до 40 лет проработал в мастерской великокняжеского двора, где его работа заключалась в написании икон и внутреннего интерьера церквей. Третьи уверены, что свои юные годы Рублев коротал в Троице-Сергиевой лавре. Когда же достиг совершеннолетия, постригся в монахи. К концу жизни ему удалось продвинуться по этой линии и стать иноком Андроникова монастыря.

Кто прав в своей версии, определить сложно, уж слишком мало упоминаний о художнике дошло до наших дней. В любом случае, совершенно ясно, что всю свою жизнь Рублев занимался написанием икон, украшал стены храмов и церквей (Успенский собор во Владимире, Троице-Сергиеву лавру, Благовещенский собор Московского кремля). На его счету роспись самых известных храмов Московской Руси.

Не вызывает сомнений также и его дружба с такими художниками, как Феофан Грек, Прохор и Даниил Горные, очень известными в свое время иконописцами. Черты их творчества, под влиянием которого развивался Рублев, заметны во многих его произведениях. Вместе с двумя из этих учителей (Феофаном и Прохором) Андрей создавал украшение интерьера Благовещенского собора Московского кремля, где их труды были большей частью уничтожены во время пожара.

Рублев мечтал сделать жизнь людей счастливее, а потому во всех его работах чувствуется душевная теплота, надежда на светлое будущее. Его «учителями» были иконы старых мастеров, которые он часами рассматривал, стараясь прочувствовать их, понять мечты и надежды, запечатленные художниками. Но уже тогда Рублев начал понимать, что живопись требует развития и что скоро художники смогут писать лица людей гораздо свободнее и совершенно иначе, чем в его времена. Самому же ему мирские сюжеты пока еще не были свойственны, хотя начинало уже прослеживаться соприкосновение с реальностью, выражавшееся в первую очередь в том, что художник делил в иконах добро и зло и подчеркивал это при помощи цветовой гаммы.

Зрительный ряд

Знакомя учащихся с жизнью и творчеством иконописца Андрея Рублева, необходимо продемонстрировать им различные работы, позволяющие понять, что «Троица» – это не единственное произведение художника, заслуживающее внимания. Дети должны запомнить, что такие иконы, как «Пророк Даниил» (фреска собора Успения), «Благовещение», «Вознесение», «Преображение», «Страшный суд» (фреска собора Успения во Владимире), «Апостол Павел», – это тоже произведения рук замечательного иконописца Андрея Рублева.

Литературный ряд

В знакомстве учащихся с иконами и их историей поможет детская Библия, в которой школьники сами или при помощи преподавателя смогут найти рассказы о некоторых святых. Этот же материал ответит и на многие возникающие у детей в процессе урока вопросы (Кем был данный святой при жизни? За какие заслуги он причислен к лику святых? и т. д.).

Музыкальный ряд

Изучение иконописи просто немыслимо без церковных песнопений, которые помогают гораздо острее почувствовать атмосферу возвышенной духовности, веры в Бога и преклонения перед всем прекрасным.

Применение материала

История иконописи, манера письма художников Древней Руси является сегодня одной из главных тем на уроках изобразительного искусства, позволяющих понять истоки живописного искусства и намного ближе познакомиться с символикой цвета. В связи с этим справочный материал по данной теме может быть использован как после знакомства учащихся с основными цветами, так и в качестве итогового урока по ряду тем, знакомящих с цветом как средством выражения и способом передачи различных состояний природы и души.

Проведение беседы с учащимися

Рассматривая иконы, созданные Андреем Рублевым, не следует сводить всю беседу к самой известной его работе – «Троице». Ее дети знают и без того с малых лет, а потому гораздо продуктивнее поговорить об иных его работах, манере их написания, сходных и отличительных чертах. Дети должны обратить внимание на то, какие требования и каноны повторяются во всех работах (цвет, поворот головы и т. д.), что отличает иконы, написанные иными художниками, от работ Рублева.

Строгановы и их вклад в иконопись и коллекционирование

Многие любители искусства и просто сторонние обыватели считают, что первым коллекционером картин и основателем галерей в России был П. М. Третьяков. На самом же деле коллекционирование произведений живописи началось гораздо раньше. Первые его корни можно встретить еще в 1584 г., когда по желанию Аника Федоровича Строганова (1497–1570) был возведен Благовещенский собор. Именно для его украшения потребовалось собирательство со всей страны работ мастеров иконописи и фрески.

Желание же Аника было немаленьким – храм намеревалось сделать в два раза лучше, чем покои самого московского царя. Этому делу Строганов отдался полностью. Он не только приглашал к себе лучших мастеров, делал заказы царским художникам, тратил на создание картин массу денег (это подтверждает наличие на иконах большого количества золота, серебра и камней), но и построил возле своего дома специальные мастерские, для того чтобы творчеству иконописцев ничто не мешало.

Оформление этого собора длилось очень долгое время. Но это и понятно, ведь чтобы запечатлеть эпизоды из очень редких библейских сказаний, необходимо было их хорошо изучить, чем и занимались сами Строгановы. Представители их рода обладали не только великолепным художественным вкусом, но и просто огромными знаниями в области богословской литературы. Потому все иконы храма индивидуальны, и это при том, что существовали строгие каноны иконописи, эти произведения богаты по содержанию и хранят в себе все древние традиции живописи.

Оформляя собор Богоматери, Строгановы многие работы доверяли своим собственным иконописцам. В их число обычно входили принадлежащие семье крестьяне – Истома и Назарий Савины, Богдан Соболев, Истома Лазарев, Прокопий Чирин и другие. Эти мастера в совершенстве владели манерой строгановского письма, особенность которого заключалась в его миниатюрности.

Первым же человеком, по-настоящему увлеченным коллекционированием, стал Сергей Григорьевич Строганов, известный граф и государственный деятель. Его увлечение не являлось чем-то случайным и нужным лишь для того, чтобы развеяться и развлечь себя. Григорий Строганов испытывал глубокую любовь к живописи. В 1825 г. им была даже основана «Школа рисования в отношении к искусствам и ремеслам», позднее ставшая Строгановским училищем, в котором готовили художников декоративно-прикладного искусства.

О происхождении такой известной фамилии, как Строгановы, давно уже существует много мнений. Одни считают, что их предками были знатные мурзы Спиридоны, плененные, а затем и застроганные татарами. Оставшегося же в живых после этих событий мальчика окружающие прозвали Строгановым. Иные утверждают, что Строгановы – это крестьяне, открывшие месторождение соли у речки Вычегды. За это они были приближены к царскому двору и с тех пор стали одними из главных советников самого государя. Так и продолжая свою солевую торговлю, Строгановы быстро разбогатели. Известен даже случай, когда на выкуп у татар московского князя Василия Темного сумели собрать нужную сумму только Строгановы.

Зрительный ряд

Во время урока могут быть использованы следующие иконы Строгановской школы: «Страшный суд» (конец XVI в.), «Воскресение Христово» (XVI в.), «Никита-воин», а также многие другие работы.

Литературный ряд

При знакомстве с искусством иконной миниатюры на основе Строгановской школы живописи можно использовать произведения различных поэтов, пишущих об иконах, фресках и древних художниках. Очень хорошо вписываются в данную тему стихотворения «Ожившая фреска», написанное Б. Пастернаком, и «Всадник» В. Рождественского. Последнее приводится ниже:

 
Темнолицый и огневолосый,
Весь в лучах уходящего дня,
Порываясь сквозь сумрак белесый,
Над обрывом он вздыбил коня.
И глаза его в сумрачном блеске,
Разгораясь, как темный алмаз,
С полустертой столетьями фрески
Неотступно летели на нас…
Живописца в монашеской келье,
Видно, мучили страшные сны,
Если он не ушел от похмелья
Забродившей в душе старины.
И, должно быть, каноны святые
Нарушая, он вспомнил о том,
Как рубился с ордою Батыя
На таком же коне боевом…
И возник перед ним, как виденье,
Этот всадник на голой стене,
Уносящийся вихрем в сраженье
Со стрелою, застрявшей в броне.
Он схватил свои кисти в восторге,
Чтоб навеки тот миг удержать,
Словно некогда сам, как Георгий,
Вел на недругов русскую рать…
В полумраке пустого собора,
Про еду забывая и сон,
Он писал то, что встало для взора
Из клубящейся дали времен.
Он писал – не для тьмы и покоя,
Не для нимбов и ангельских крыл, —
Он в отважное сердце героя
Неуемную страсть перелил.
 

Музыкальный ряд

Учитывая то, что изучение икон Строгановской школы обычно следует за несколькими другими темами, имеющими отношение к иконописи, подбор музыки для данного урока можно возложить на учащихся.

Прослушав на предыдущих уроках различные церковные мелодии и напевы, колокольные перезвоны, дети легко смогут сориентироваться и найти такое произведение, которое объединит иконы разных мастеров иконописи воедино.

Применение материала

Строгановскую манеру письма, образно, можно воспринимать как задатки миниатюры в русском искусстве. В связи с этим вышеизложенный материал может использоваться не только как продолжение темы иконописного письма, но и как предшествующий изучению миниатюры.

Проведение беседы с учащимися

Построение беседы по иконописи лучше всего строить не по принципу вопрос-ответ, а немного иначе. Наверняка у каждого учащегося дома имеется несколько икон, именно на них и следует опираться при закреплении материала. Попросите учащихся принести на урок иконки или зарисовки с них, а затем, в виде соревнования, попросите в нескольких словах охарактеризовать данные работы. Пусть они расскажут, какие цвета использовал при их написании художник и что при их помощи он хотел подчеркнуть? Есть ли у этих икон сходство с иконами, созданными строгановскими мастерами? Благодаря такому наполнению урока класс не просто перескажет ранее услышанное, но и сам переосмыслит новые для него сведения.

В виде домашнего задания к уроку может служить и сбор материала об истории выбранной детьми ранее иконы, ответов на вопрос о том, что за святой или святая изображен(а) на иконе и за какие заслуги данный человек был возведен в этот ранг.

3. Первые шаги к портретной живописи. Творчество С. Ушакова (1626–1686)

После Андрея Рублева наиболее известным иконописцем можно считать жителя Москвы и руководителя иконописной мастерской (1664) Симона Ушакова. Кроме заслуг в области иконописи, ему по праву принадлежит слава за первую сделанную попытку в развитии портретной живописи, т. е. шаг к переходу от средневекового и религиозного к светскому искусству. Именно он осознал, что новое время влечет за собой и новое искусство, искусство, которое будет не просто копировать мастерство старинных иконописцев, но и устремится к совершенствованию изображаемых образов.

Живопись на сегодняшний день является одним из главных видов изобразительного искусства. Она настолько разносторонняя, что объединяет в себе множество различных произведений, созданных на основе использования цвета. Именно при помощи цвета художникам удается образно отразить окружающий их предметный мир.

Желая писать все так, как это есть на самом деле, Симон старается изображать все предметы и образы святых такими, каковы они на самом деле. Но вековые традиции живописи тормозят этот процесс, а потому все, что ни начнет изображать художник, получается по-прежнему декоративным и напоминающим иконную живопись. Лица людей все такие же задумчивые, склоненные в одну сторону, лишенные легкости. Художнику, привыкшему все время срисовывать с икон, не удается понять, как сделать изображение разных людей не иконоподобным, а действительно разным, как подчеркнуть ту или иную отличительную черту своей модели. От этого все, что он пишет, делается еще грубее, все слабые места в этих работах еще более усиливаются. Но все же уже начинает просматриваться сочетание традиций иконописного письма с объемной светотеневой лепкой формы.

Причина возникновения «парсуны»

Впервые древние иконописцы обратили внимание на образ живого человека после появления зеркал. Это чудо, отражающее каждого человека в точности, как ничто более, привлекало к себе художников. Глядя в него, они думали о том, чтобы научиться сохранять увиденный образ таким же, каким он являлся на самом деле. По этой причине художники начинают делать попытки писать с живой натуры, как выражались в древности, с «живства». Все они сажали перед собой модель и начинали срисовывать. Выходило же все равно однообразно и весьма напоминающе икону, хотя срисовывали не с лежащей на столе иконы, а с живого человека. Увы, его еще никто и никогда не рисовал, и заготовленных контуров на него не существовало.

О появлении слова «живопись» есть несколько версий. Наиболее же вероятной является следующая: делая попытки писать с натуры, художники называли новое творчество писанием с «живства», т. е. они делали живописную работу. Постепенно слово «живопись» искоренило все остальные, первоначальные значения.

На первые попытки художников писать «с живства», конечно же, сразу обратили внимание царствующие государи и наиболее знатные особы, которым так хотелось оказаться на холсте и запечатлеть свой образ для потомков. По этой причине первыми моделями художников старины стали именно персоны высокочтимые. Только вот первые их изображения все равно продолжали походить на иконы, ведь писали-то их по-старому, правда, некоторые проблески реализма слегка просматривались: поза приобретала щегольский характер, вводились праздничные и парадные атрибуты, менялись наряды. Но это никого не обижало, а даже напротив, позволяло знатным особам верить, что они ближе к Богу, чем простой люд. В это самое время и появляется понятие «парсуна», возникшее от латинского слова «персона» (лицо). Позднее оно было заменено на «портрет».

Зрительный ряд

Чтобы учащиеся сразу смогли увидеть сходство парсуны с иконой, необходимо подготовить для урока репродукции произведений художников древности, делающих попытки писать образы государей. Одной из наиболее ярких таких работ является парсуна князя М. В. Скопина-Шуйского.

Из работ Симона Ушакова лучше всего заострить внимание на его «Троице» и сопоставить ее с Рублевской. Сравнив эти два произведения, учащиеся смогут понять, что эта икона совершенно иная. В ней просматриваются объемность, перспектива и реализм. Полезно остановиться и на самой его известной иконе «Спас Нерукотворный» и произведении иконного характера «Насаждение древа государства Российского». В этих работах уже более четко прослеживается влияние времени и отхождение от существующих канонов.